Das Kingston Trio bringt Volksmusik an die Spitze der US-Pop-Charts

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Am 17. November 1958 erreicht „Tom Dooley“ des Kingston Trios Platz 1 der Plakat Pop-Chart.

Auch wenn sie es vielleicht nicht anerkennen wollten, verdankten die Fans des Protestvolks der 1960er Jahre die Existenz der Bewegung wahrscheinlich drei Typen in Crew-Cuts und zuckersüß gestreiften Hemden, die ihre Leistung nicht in Güterwagen oder in Greenwich Village-Cafés verfeinerten, sondern in den Burschenschaften und Schwesternschaften der Stanford University Mitte der 1950er Jahre. Musikalisch wie äußerlich verriet das Kingston Trio wenig Unbehagen mit dem gesellschaftspolitischen Status Quo der 1950er Jahre. Doch ohne die enormen Gewinne, die ihre Musik für Capitol Records einbrachte, ist es unmöglich, sich vorzustellen, dass Major-Label-Plattenverträge jemals an einige von denen vergeben werden, die diesen Status quo in den kommenden zehn Jahren in Frage stellen würden. Joan Baez und Bob Dylan zum Beispiel haben ihre musikalische und politische Entwicklung Vorläufern wie Woody Guthrie und Pete Seeger zu verdanken, ihre kommerzielle Lebensfähigkeit aber verdanken sie wahrscheinlich dem Kingston Trio, das den erstaunlich frischen Sound einer 100-jährigen altes Volkslied in den amerikanischen Pop-Mainstream von 1958.

Das Lied "Tom Dooley" wurde wahrscheinlich zum ersten Mal nach dem 1. Mai 1868 gesungen, als ein Mann aus North Carolina namens Tom Dula für den Mord an seiner Verlobten Laura Foster zu Tode gehängt wurde. Dank umfangreicher Berichterstattung in großen Zeitungen wie DieNew York Times, der Prozess gegen Herrn Dula machte ihn zu einer Art Volksfest, und er beteuerte seine Unschuld an dem Mord, noch als er am Galgen stand. Es ist nicht klar, wann oder von wem die traurige Mordballade geschrieben wurde, die auf seiner Geschichte basiert, aber sie wurde Ende der 1950er Jahre vom Kingston Trio wiederbelebt, nachdem sie einen Folk-Sänger bei einem Vorsprechen im Purple Onion Club in San Francisco gehört hatte.

Die Version von „Tom Dooley“ des Kingston Trios konzentrierte sich mehr auf stimmungsvolle Appalachen-Atmosphären als auf die grafischen Details des Liebesvierecks, das im Original zu finden war, aber dieser Kompromiss, kombiniert mit den Banjo-unterlegten Harmonien des Trios, machte „Tom Dooley“ zu einem der Mammut-Hit, der ihre enorm erfolgreiche Karriere startete. Und der Erfolg des Kingston Trios wiederum ermöglichte es einer politischeren Art der Volksmusik, in den folgenden Jahren in den populären Mainstream – und in die DNA des Rock and Roll – vorzudringen.


Whiskyhill-Sänger

Die Whiskyhill-Sänger wurden Anfang 1961 von Dave Guard gegründet, nachdem er das Kingston Trio verlassen hatte. Guard gründete die Singers als Versuch, zu den früheren Wurzeln des Trios in der Volksmusik zurückzukehren. Die Sänger dauerte etwa sechs Monate, bevor sie sich auflöste. Während dieser kurzen Zeit veröffentlichte die Gruppe ein Album, Dave Guard & The Whiskeyhill Singers, und nahm eine Reihe von Songs für den Soundtrack von auf Wie der Westen gewonnen wurde, aber nur vier davon wurden im Film verwendet.


Inhalt

Shane wurde am 1. Februar 1934 in Hilo auf der Big Island von Hawaii als Sohn von Margaret (Schaufelberger) und Arthur Castle Schoen, einem Großhändler für Spielwaren und Sportartikel, geboren. Seine Mutter stammte aus Salt Lake City und sein Vater war ein Hawaiianer deutscher Abstammung. [2] [3] [4] Shane war in seinen eigenen Worten „ein Inselbewohner der vierten Generation“. Er besuchte lokale Schulen, darunter die renommierte Punahou School für seine Junior High- und High-School-Jahre. Punahous Lehrplan betonte die einheimische hawaiianische Kultur und ergänzte damit Shanes bereits wachsendes Interesse an Musik im Allgemeinen und hawaiianischer Musik im Besonderen.

Während dieser Jahre brachte sich Shane (die phonetische Schreibweise, die er 1957 zu verwenden begann) selbst bei, zuerst Ukulele und dann Gitarre zu spielen, insbesondere beeinflusst von hawaiianischen Slack-Key-Gitarristen wie Gabby Pahinui. In diesen Jahren lernte Shane auch den Punahou-Klassenkameraden Dave Guard kennen und trat mit ihm auf Partys und Varieté-Shows an Schulen auf.

Nach seinem Abschluss im Jahr 1952 besuchte Shane das Menlo College in Menlo Park, Kalifornien, während Guard sich an der nahe gelegenen Stanford University immatrikulierte. In Menlo lernte Shane Nick Reynolds kennen und freundete sich schnell mit ihm an . Shane stellte Reynolds Guard vor, und 1956 begannen die drei, zusammen als Teil einer informellen Ansammlung aufzutreten, die laut Reynolds [6] auf sechs oder sieben Mitglieder anwachsen konnte. Die Gruppe trat unter verschiedenen Namen auf, meistens als "Dave Guard and the Calypsonians". Sie verdienten kaum mehr als Biergeld und hatten keine formalen beruflichen Ambitionen. Shane brach das College in seinem Abschlussjahr ab und kehrte nach Hawaii zurück, um im Familienunternehmen zu arbeiten. [7] [8]

Shane hatte jedoch eine natürliche Affinität für Unterhaltung entdeckt und verfolgte nachts eine Solokarriere auf Hawaii, einschließlich Engagements in einigen der größten Hotels von Waikiki. Shanes Act bestand aus einer vielseitigen Mischung aus Songs von Elvis Presley, Hank Williams, Harry Belafonte und Broadway-Shows. Während dieser mehrmonatigen Zeit lernte er auch die Akustik-Blues-Legende Josh White kennen, der Shane half, seinen Gitarrenstil zu verfeinern und ihn dazu inspirierte, seinen Gesang mit einer Martin "Dreadnought"-Gitarre zu unterstützen, was insofern von Bedeutung war, als Shane zu einer lebenslangen Verbindung mit diesem Gitarrenbauer führte . Das Unternehmen revanchierte sich, indem es in den späten 1990er und frühen 2000er Jahren eine Reihe von "Signatur" -Modellen herausgab, die Shane und das Kingston Trio ehrten. [10]

Zur gleichen Zeit hatten sich Guard und Reynolds in Kalifornien etwas formeller zu einem Act namens "The Kingston Quartet" mit dem Bassisten Joe Gannon und seiner Verlobten, der Sängerin Barbara Bogue, organisiert. Diese Gruppe trat für eine Nacht in einem Club namens Italian Village in San Francisco auf, zu dem sie den Publizisten Frank Werber einluden, der einige Monate zuvor im Cracked Pot Biergarten in Palo Alto die Calypsonians-Show mit Shane erwischt hatte. Werber war beeindruckt von dem natürlichen Talent und der Synergie zwischen Guard und Reynolds, er war weniger beeindruckt von Gannon und Bogue und schlug Reynolds und Guard vor, dass sie als Trio ohne Gannon besser dran wären - einfacher zu buchen und musikalisch besser. [11] Als Guard und Reynolds Gannon gehen ließen und Bogue folgten, betrachteten Reynolds, Guard und Werber Shane als logisches drittes Mitglied und baten ihn, nach Kalifornien zurückzukehren, was er im Frühjahr 1957 tat. [12] Shanes Bariton-Gesang und Gitarrenarbeit waren die Grundlage des Sounds des Kingston Trios. [13]

Shane, Guard, Reynolds und Werber schmiedeten eine informelle Vereinbarung (auf einer Papierserviette, einer Legende zufolge, die Werber entlarvt hat) [14], die sich in eine rechtsfähige Partnerschaft verwandelte. Sie haben sich für den Namen "Kingston Trio" entschieden, weil er, wie sie dachten, sowohl die damals populäre Calypso-Musik aus Kingston, Jamaika, als auch die Art von "kollegialem" Ambiente heraufbeschwöre, das ihr schnell angenommenes Bühnenoutfit mit passenden Knöpfen suggeriert. Dreiviertelärmelige, gestreifte Hemden mit Daunenkragen.

Unter der rigorosen Anleitung von Werber begannen Shane, Guard und Reynolds mehrere Monate lang mit fast täglichen Proben, einschließlich des Unterrichts durch die prominente Gesangstrainerin Judy Davis aus San Francisco. Der erste bedeutende Durchbruch der Gruppe kam im Sommer 1957, als die Komikerin Phyllis Diller ein Engagement im The Purple Onion, einem kleinen Nachtclub in San Francisco, absagen musste und Werber das Management überredete, das ungetestete Trio für eine Woche einzustellen. Die enge Harmonie des Trios, sein abwechslungsreiches Repertoire und der sorgfältig einstudierte, aber scheinbar spontane Humor auf der Bühne machten es zu einem sofortigen Erfolg bei den Gönnern des Clubs, und das Engagement erstreckte sich über sechs Monate. [fünfzehn]

Während dieser Zeit nutzte Werber die lokale Popularität des Kingston Trios, um das Interesse von Plattenfirmen zu wecken. Nach mehreren Fehlstarts erhielt die Gruppe einen Vertrag mit Capitol Records und nahm im Februar 1958 ihr erstes Album innerhalb von drei Tagen auf schicksalhafte Entscheidungen. Gilmore bestand darauf, dass der akustische Sound des Trios eher einen "Boden" habe und fügte den Aufnahmen einen Bassisten hinzu. Er entschied auch, dass die Gruppe ohne zusätzliche Orchesterinstrumentierung aufgenommen werden sollte, ungewöhnlich für die Zeit, in der beide Entscheidungen fast alle nachfolgenden Aufnahmen und Live-Auftritte des Kingston Trios charakterisieren. [16]

Das Album Das Kingston-Trio wurde im Juni 1958 veröffentlicht, zur gleichen Zeit, als die Gruppe ein langes Engagement in San Franciscos bekannterem Nachtclub Hungry i begann. Das Album enthielt die Nummer, die Shanes Signature-Song wurde, "Scotch and Soda", kraftvolle und rhythmische Gitarrenarbeit von Shane und eine obskure Mordballade aus North Carolina, "Tom Dooley", bei der Shane die Hauptrolle sang.

Im Sommer 1958, während Shane und das Trio im Royal Hawaiian Hotel in Honolulu auftraten, begann der Discjockey Paul Colburn in Salt Lake City, den "Tom Dooley"-Ausschnitt des Albums auf Sendung zu spielen, und DJs in Miami und auf nationaler Ebene folgte ihm. [17] Die populäre Reaktion zwang eine widerstrebende Marketingabteilung von Capitol Records, den Song am 8. August 1958 als Single zu veröffentlichen das Kingston Trio sowohl seine erste von acht Goldenen Schallplatten als auch von zwei Grammys. [18]

Dies leitete eine Ära mit bemerkenswertem Erfolg sowohl als Aufnahme- als auch als Auftrittsact für Shane und das Trio ein. Allein im Jahr 1959 veröffentlichte die Gruppe vier Alben, von denen drei den #1-Status erreichten und alle vier im Dezember 1959 in den Billboard Top Ten landeten, eine Leistung, die nur von den Beatles erreicht wurde. Dreizehn ihrer Alben platzierten sich in den Top Ten von Billboard, fünf landeten auf Platz 1 und das erste Album blieb 195 Wochen in den Charts. [19] Ein halbes Dutzend Singles waren ebenfalls in den Top 100 gelistet. Die Gruppe spielte mehrere Jahre lang über zweihundert Konzerte pro Jahr, war Vorreiter im College-Konzertkreis und trat in den meisten der besten Nachtclubs, Festivals und Amphitheater des Landes auf. [20]

Während dieser Zeit begann jedoch der Konflikt zwischen den Highschool-Freunden Shane und Guard zu brodeln. Streitigkeiten über die musikalische Leitung des Kingston Trios und Meinungsverschiedenheiten über Finanzen und Urheberrechte sind die am häufigsten genannten Gründe in Guards Entscheidung im Frühjahr 1961, die damals populärste Gruppe in der amerikanischen Musik zu verlassen. [21] Shane, Reynolds und Werber kauften Guards Interesse an der Partnerschaft und suchten schnell einen Ersatz und entschieden sich für John Stewart, einen jungen Folk-Interpreten und Komponisten, der eine Reihe von Songs geschrieben hatte, die das Trio bereits aufgenommen hatte. Das Shane, Reynolds und Stewart Kingston Trio blieben weitere sechs Jahre zusammen, veröffentlichten neun weitere Alben auf Capitol und erzielten eine Reihe von Top-40-Hit-Singles, bis die Plattenverkäufe nach dem Ende des populären Folk-Booms und dem Aufstieg von Capitols anderen zurückgingen Die großen Acts Beach Boys und Beatles veranlassten die Gruppe, zu Decca Records zu wechseln. Sie veröffentlichten vier weitere Alben, bevor sie sich nach einem letzten Engagement im Hungry i im Juni 1967 als Act auflösten. [22]

Shane hatte die Auflösung des Kingston Trios nicht befürwortet, sowohl weil er der Meinung war, dass sich das Trio an den sich ändernden Musikgeschmack anpassen könnte, als auch weil er zu diesem Zeitpunkt ein durch und durch versierter Entertainer und ein geschickter Vermarkter geworden war. Shane beschloss, im Unterhaltungsgeschäft zu bleiben, und experimentierte sowohl mit Soloarbeit (er nahm mehrere Singles auf, darunter eine Version des Songs "Honey", der später ein Millionenseller für Bobby Goldsboro wurde) [23] und mit verschiedenen Konfigurationen mit anderen Leuten -orientierte Darsteller.

1969 bat er Reynolds und Werber, immer noch seine Partner, um Erlaubnis, den Namen der Gruppe zu pachten. Sie stimmten den Vorbehalten zu, dass Shane eine Gruppe von vergleichbarer musikalischer Qualität zu den beiden ursprünglichen Konfigurationen zusammenstellen und "New" an den Namen angehängt werden sollte. Shane organisierte zwei Truppen unter dem Namen "The New Kingston Trio". Die erste bestand neben Shane aus dem Gitarristen Pat Horine und dem Banjoisten Jim Connor und dauerte von 1969 bis 1973, die zweite umfasste von 1973 bis 1976 den Gitarristen Roger Gambill und den Banjoisten Bill Zorn Kingston Trio-Standards wie "Tom Dooley" und "MTA" aber auch zeitgenössischere Lieder, darunter Country- und Neuheiten. Der Versuch hatte keinen nennenswerten Erfolg. Obwohl beide Gruppen eine begrenzte Anzahl von Aufnahmen und Fernsehauftritten machten, weckte keine der beiden Gruppen großes Interesse bei den Fans oder der breiten Öffentlichkeit. [24]

Ende 1976 wollte Bill Zorn eine Solokarriere einschlagen und verließ die Gruppe unter freundschaftlichen Umständen. Um ihn zu ersetzen, fand Shane einen jüngeren Interpreten namens George Grove, einen Instrumentalisten und Sänger. Shane erkannte, dass neben seinem Gesang und seiner Präsenz als Gründungsmitglied der Name selbst der größte Vorteil der Gruppe war. Folglich erwarb er die Rechte am Namen des Kingston Trios direkt von Reynolds und Werber, und alle nachfolgenden Versionen von Shanes Truppe seit Ende 1976 sind einfach als Kingston Trio bekannt.

1981 schlugen die PBS-Produzenten JoAnn Young und Paul Surratt Shane eine Idee vor: ein Reunion-Konzert, das das Netzwerk als Spendenaktion nutzen könnte und das nicht nur Shanes aktuelle Gruppe, sondern auch Bühnen-Wiedervereinigungen der beiden ursprünglichen Kingston Trio-Besetzungen mit Wache und Stewart. Shane und die anderen Rektoren stimmten zu, und das Konzert wurde im November 1981 im Vergnügungspark Magic Mountain in Valencia, Kalifornien, inszeniert und aufgezeichnet und im März 1982 über PBS-Sender ausgestrahlt.

Trotz einiger Restspannungen zwischen Guard und Shane, von denen ein Teil in einem Wallstreet Journal Artikel von Roy Harris über die Veranstaltung und der aus öffentlichen Kommentaren von Guard resultierte, dass Shane sich sowohl von ihm als auch von seiner aktuellen Gruppe herabgesetzt fühlte, [25] war das Konzert mäßig erfolgreich und wurde zu einem Meilenstein in der Geschichte des Kingston Trios. In den nächsten neun Jahren versöhnten sich Shane und Guard weitgehend. Guard litt an Krebs, obwohl er offenbar in Remission war, als Shane und Reynolds ihn im Sommer 1990 in New Hampshire besuchten. belebt Nick Reynolds) sowie Guard und Stewart. Das Lymphom von Guard kehrte jedoch zurück und er starb im März 1991. Shane war das einzige Mitglied einer Konfiguration des Kingston Trios, das bei der Gedenkfeier für Guard sang. [26]

In den Jahren nach Shanes Übernahme des Namens Kingston Trio im Jahr 1976 wechselte das Personal der Gruppe mehrmals, obwohl Shane und Grove konstant blieben. Shane führte die Gruppe zu einem Erfolg, der, wenn auch nie das Äquivalent des ersten Jahrzehnts der Gruppe, dennoch stabil und konstant war. Shanes Kingston Trio stützte sich stark auf eine "Greatest Hits Formula", die durch eine Reihe anderer Songs ergänzt wurde, die im Laufe der Jahre erworben wurden und die die Fans als Teil des Repertoires der Gruppe akzeptiert hatten.

Im März 2004, einen Monat nach seinem 70. Geburtstag, erlitt Shane einen schwächenden Herzinfarkt, der ihn nach 47 Jahren mit der Band dazu zwang, sich von Tourneen und Auftritten zurückzuziehen. Obwohl Shane ursprünglich geplant hatte, nach der Genesung zur Gruppe zurückzukehren, war der Angriff schwer genug, um Shanes dauerhaften Rückzug aus der Gruppe zu rechtfertigen, die er noch besaß. Er wurde durch das ehemalige New Kingston Trio-Mitglied Bill Zorn ersetzt.

Shane war 23 Jahre lang mit der ehemaligen Louise Brandon verheiratet, sie hatte 5 Kinder und 8 Enkelkinder. [4] [7] Die Ehe wurde geschieden und er heiratete im Jahr 2000 Bobbi Childress. [7]

Er starb am 26. Januar 2020 im Alter von 85 Jahren in einer Hospizeinrichtung in Phoenix, Arizona. [4] [7] [27]


Volksmusik und Lied


Frank Proffitt singt und spielt 1941 für Anne Warner. Pick Britches Valley,
Nordkarolina.
(Sammlung Anne und Frank Warner. Foto von Frank Warner)

Als Helen Hartness Flanders 1929 ihr erstes Volkslied von der Vermonter Dorothy Canfield Fisher sammelte, widmete sie dreißig Jahre ihres Lebens der Suche und Aufnahme von Tausenden von Volksliedern und Balladen, die von traditionellen Sängern aus Vermont und anderen Neuenglandstaaten aufgeführt wurden. Sie sagte, sie sei &ldquoallergisch&rdquo gegen Balladen: Immer wenn sie sich ihnen näherte, fing sie sie auf. Die Geschichte des Volkskulturarchivs beginnt als Geschichte von &ldquosong-catchern.&rdquo

Als Robert W. Gordon ein Jahr zuvor, 1928, als Leiter des neu geschaffenen Archive of American Folk-Song an die Library of Congress kam, brachte er seinen Traum mit, alle amerikanischen Volkslieder zu sammeln. Während andere Sammler typischerweise daran interessiert waren, erhaltene Beispiele englischer und schottischer Balladen zu finden, und in erster Linie an der akademischen Untersuchung von Liedtexten interessiert waren, sammelte Gordon eine breite Palette von Liedern von einer Vielzahl von Informanten. Darüber hinaus machte Gordon von den gefundenen traditionellen Sängern Tonaufnahmen, um nicht nur die Liedtexte, sondern auch deren Melodien zu sichern.

Der texanische Folklorist John A. Lomax befürchtete, dass Radio und Grammophon die Leute davon abhalten würden, ihre eigene Musik zu machen, und dass Lieder vergessen und verloren würden. In den 1930er und 1940er Jahren trug er ein Aufnahmegerät durch den Süden und reiste mit seinem Sohn Alan (sowie mit seiner ersten Frau Bess und später seiner zweiten Frau Ruby). Die Lomaxes besuchten Farmen und Ranches, Schulhöfe und Kirchen, Nachtclubs und Gefängnisse. Gemeinsam und getrennt nahmen Vater und Sohn Cowboy-Balladen, Arbeitslieder, religiöse Lieder, Field Hollers, Blues und viele andere traditionelle Ausdrucksformen auf. Sie waren unermüdliche Sammler mit einem unheimlichen Talent, traditionelle Sänger mit großem Repertoire zu finden und sie davon zu überzeugen, für die umständliche Scheibenschneidemaschine zu singen und zu spielen, die sie mit sich führten.

Das Ballad-Stipendium in den Vereinigten Staaten geht auf Francis James Child vom Harvard-Institut für Englisch zurück. Kind war der Herausgeber von Die englischen und schottischen Volksballaden (1882 &ndash 84). Folklorestudien werden häufig mit englischen Fakultäten in Verbindung gebracht, und sowohl Robert Gordon als auch John Lomax wurden von den Harvard-Englischprofessoren George Lyman Kittredge und Barrett Wendell ermutigt, ihrem Interesse an Volksliedern nachzugehen.Aber die meisten amerikanischen Songcatcher, die sukzessive Aufnahmetechnologien, beginnend mit Edisons Wachszylindermaschine, nutzten, waren mehr als nur Literaturwissenschaftler. Sie glaubten, dass ihre Arbeit eine moralische Bedeutung hatte, die über das akademische Studium hinausging.


Walking for Dat Cake Songsster , "Enthält eine vollständige Sammlung neuer Songs, Witze, Stumpfreden, die Harrigan & Hart zu den Champions des Tages gemacht haben, unter denen die folgenden Songs zu finden sind. . .“ Zusammengestellt von Edward Harrington und Tony Hart (New York: A.J. Fisher, 1877).
(Robert W. Gordon Liederster-Sammlung)


Gleiten Sie den Stream Songster hinunter.
(Robert W. Gordon Songsster-Sammlung)


Myrtle B. Wilkinson spielt Tenorbanjo, Turlock, Kalifornien, 1939.
(WPA California Folk Music Project Collection. Fotograf unbekannt)

Frances Densmore, Helen Heffron Roberts, Willard Rhodes und andere arbeiteten aus ähnlichen Motiven wie andere Ethnographen und dokumentierten die Musik der amerikanischen Ureinwohner, da sie befürchteten, dass auch die von ihrem Land vertriebenen Indianer in Gefahr seien, ihre Kultur zu verlieren. Die Tonaufnahme war für diese Arbeit besonders wichtig, da indische Liedtexte häufig nicht aus Wörtern der gesprochenen Sprache des Sängers bestehen, sondern aus Vokabeln, nichtlexikalischen Silben, wie z Hey oder n / A, die in Muster fallen, die von linguistischen, Liedgenre und musikalischen Erwägungen geprägt sind.

Traditionelle Sänger (oder Musiker oder Geschichtenerzähler) sind diejenigen, die ihre Kunst informell im Kontext einer Familie, eines Stammes, einer Gemeinschaft oder einer anderen eng verbundenen Gruppe erlernt haben. Viele traditionelle Lieder werden seit Generationen innerhalb derselben Familie oder Volksgruppe gesungen und können manchmal auf Herkunftsorte wie Großbritannien, Europa oder Afrika zurückgeführt werden. Irgendwann wäre das Lied von einer einzigen Person komponiert worden, aber dieser Autor ist möglicherweise nicht mehr bekannt. Die meisten Volkslieder ändern sich im Laufe der Zeit mehr oder weniger, da sie von Person zu Person weitergegeben werden und mehrere Varianten entstehen.

In einigen Kontexten sind traditionelle Lieder ein wesentlicher Bestandteil des täglichen Lebens, und bestimmte Lieder werden aufgeführt, um bestimmte Aktivitäten im Zusammenhang mit der Arbeit, religiösen Feiern oder gesellschaftlichen Anlässen zu begleiten. Anglo-amerikanische Balladen bieten oft warnende Geschichten und moralische Lektionen, warnen junge Frauen vor den Versuchungen honigzüngiger Freier und warnten Männer vor den List untreuer Frauen. Seemannslieder und Eisenbahnlieder können dazu beitragen, Routineaufgaben zu erleichtern und einen Rhythmus zu schaffen, der den Arbeitern hilft, als Team zu arbeiten. Wiegenlieder verbinden Mutter und Kind, und Lieder und Musik aller Art, die im Kontext der Familie aufgeführt werden, helfen, eine Generation an die nächste zu binden.

Seit 1976, als das American Folklife Center gegründet wurde, sind die Sammlungen des Volksarchivs enorm gewachsen, sowohl in Bezug auf die Anzahl als auch auf die Reichweite, um eine breite Palette von Ausdrucksformen des Volkslebens zu umfassen. Aber die charakteristische Aktivität im Folklife Reading Room des Zentrums, in dem Forscher die Materialien verwenden, besteht darin, sich die beispiellosen Sammlungen von Volksmusik und -liedern anzuhören, die größtenteils vor Ort aus den Vereinigten Staaten und der ganzen Welt entstanden sind. Forscher kommen, um traditionelle Aufführungen anglo-amerikanischer Balladen oder afroamerikanischer Blues, Arbeitslieder und Kirchenmusik zu hören und zu studieren. Sie hören Eisenbahnlieder, Cowboylieder, Bergarbeiterlieder und Seelieder oder Musik der amerikanischen Ureinwohner von Stämmen in ganz Nordamerika. Sie studieren traditionelle Musik aus Afrika, Mittel- und Südamerika, dem Nahen Osten, Europa, Südasien, dem Pazifik und anderen Teilen der Welt.


John Galusha, bekannt als Yankee John, im Alter von einundachtzig Jahren. Minerva, New York, 1940.
(Die Sammlung Anne und Frank Warner. Foto von Frank Warner)


Mexikanische Mädchen singen für eine Aufnahme der Library of Congress
San Antonio, Texas, 1934.
(Abteilung für Drucke und Fotografien.
Foto von Alan Lomax)


Wes Noel spielt Geige,
Elk Springs, Missouri.
(Vance Randolph-Sammlung.
Foto von Vance Randolph
)


Plakat für eine Performance von Jim Garland in der 13th Avenue Gallery, 1963.
(American Folklife Center Postersammlung)


Will Neal spielt um 1940 eine Geige im Arvin Migratory Labor Camp, Kalifornien.
(Die Wanderarbeitersammlung von Charles L. Todd und Robert Sonkin. Foto von Robert Hemming )


Musiker des Haha-Stammes aus Tamanar spielen die Bendir (eine tamborinförmige Trommel) und die aouada (eine Langrohrflöte), während Paul Bowles sie aufnimmt.
Essaouira, Marokko, 8. August 1959.
(Paul Bowles Marokkanische Musiksammlung. Fotograf unbekannt)


Handgeschriebene Seite aus Helen Heffron Roberts Round Valley, Kalifornien, Notizbücher, 1926, mit Transkriptionen von zwei Konkow Burning Ceremony Cry Liedern aus Wachszylinderaufnahmen von Mrs. Jim Stevens.
(Helen Heffron Roberts-Sammlung)


Handgeschriebene Seite aus Helen Heffron Roberts Round Valley, Kalifornien, Notizbücher, 1926, mit einer Transkription eines Grass Game-Songs aus der Gegend von Maidu, aufgenommen von Anna Feliz.
(Helen Heffron Roberts-Sammlung)


Die Ethnomusikologin Vida Chenoweth interviewt Taaqiyáa, ihren Chefredakteur von Kaagú Usarufa, Papua, Neuguinea, 1967.
(Vida Chenoweth Collection. Fotograf unbekannt )


Die portugiesischen Fado-Musiker Duarte Tavares und Olivete Maria Poulart treten am 14. November 1987 im IV Seasons Restaurant in Lowell, Massachusetts auf.
(Lowell Folklife Project Collection. Foto von John Lueders-Booth)


Inhalt

Gottlieb, frisch von seinem Doktortitel in Musikwissenschaft, war im Publikum, als Alex Hassilev und Glenn Yarbrough auf der Bühne standen, um gemeinsam ein Duett zu singen. Gottlieb, der damals als Arrangeur für das Kingston Trio arbeitete, dachte ursprünglich, dass "diese zwei Jungs" ihm helfen könnten, einige Demos für das Trio zu machen.

Bald packten sie ihre Sachen und machten sich auf den Weg nach Aspen, Colorado, um in einem Club namens "The Limelite" [2] zu arbeiten, den Yarbrough und Hassilev gekauft hatten, nachdem sie dort in der vorherigen Skisaison gesungen hatten. [1] Nach einer kurzen Perfektionierungszeit machten sie sich auf den Weg zum "hungrigen i" in San Francisco, das zu dieser Zeit das kalifornische Nervenzentrum für die aufkeimende zeitgenössische Folk-Bewegung war. [2] Der Besitzer hatte gerade eine Gruppe mit drei langen Namen aneinandergereiht und wollte "Yarbrough, Hassilev und Gottlieb" nicht auf das Festzelt stellen. Aber die Gruppe hatte sich noch nicht für einen Namen entschieden. Sie wählten "The Limeliters".

Ihr Erfolg stellte sich sofort ein. Nur zwei Tage nach ihrem professionellen Debüt erhielt die Gruppe Angebote von drei Plattenfirmen. Anfang 1960 veröffentlichten sie ihr erstes Album auf Elektra. Bald darauf unterschrieben sie bei RCA Victor und eine Reihe von Bestseller-Alben folgten.

Sie hatten nie einen echten Hit-Album an der Spitze der Charts und waren bekannt für ihr Repertoire an mitreißenden Songs wie "There's a Meetin' Here Tonight", "City of New Orleans", "A Dollar Down" (ihre einzige Chartsingle, 1961 auf Platz 60), "Have Some Madeira M'Dear", "Lonesome Traveler", "Wabash Cannonball", "Whiskey in the Jar" und viele andere, die auf ihren mehr als 25 Alben und in ihrem Konzerte.

Das Album der Limeliter Heute Abend: Persönlich erreichte Platz 5 auf Billboard im Jahr 1961 [1] und war 74 Wochen lang in den US-Charts. Die Neuauflage 1961 ihres früheren Elektra-Albums schaffte es in die Top 40 und verbrachte 18 Wochen in den Charts. Ihre dritte Veröffentlichung, Die etwas fabelhaften Limeliter, schaffte es im selben Jahr in die Top Ten, [1] Charting für 36 Wochen. Ein weiteres Album mit Durchhaltevermögen war eines der Volkslieder für Kinder jeden Alters, Durch Kinderaugen. Es blieb 29 Wochen lang in den Charts und erreichte Platz 25.

Die Gruppe hielt während ihres Höhepunkts der Popularität eine hektische Arbeitsbelastung aufrecht. Neben den zahlreichen Aufnahmen machten sie zahlreiche Fernsehauftritte und ihre persönlichen Auftritte summierten sich auf über 300 Auftritte im Jahr. [3] Drei Jahre lang waren The Limeliters die musikalischen Vertreter von Coca-Cola. Ihre Interpretation des Jingles "Things Go Better with Coke" wurde ein nationaler Hit. Die Gruppe machte auch kommerzielle Arbeiten für L&M-Zigaretten.

1963 sangen sie mehrere Lieder für den Film McLintock!.

Die Karriere der Gruppe war fast zu Ende, als sie während einer Tournee in Provo, Utah, einen Flugzeugabsturz erlitten. [3]

Yarbrough verließ die Gruppe im Jahr 1963. [1] Gottlieb und Hassilev setzten die Limeliters fort, aber nur als Plattenspieler und rekrutierten den ehemaligen Gateway Singers-Tenor Ernie Sheldon [3] (r.n. Ernest Lieberman) als Yarbroughs Ersatz. Sheldon schrieb die Texte zu Yarbroughs größtem Solohit "Baby the Rain Must Fall". [1]

Als der RCA Victor-Vertrag des Trios 1965 auslief, traten Gottlieb und Hassilev offiziell in den Ruhestand. Bis dahin war Yarbrough ein erfolgreicher Solist auf Schallplatten und im Konzert. Hassilev wurde Produzent mit eigenem Tonstudio und Presswerk, während Gottlieb die Morningstar Commune auf einer von ihm gekauften Ranch in der Nähe von San Francisco leitete.

Die Gruppe formierte sich 1968 kurzzeitig neu, um ein Album für Warner Bros. Records aufzunehmen. [3]

In den 1970er Jahren unternahmen die Limeliters eine Reihe von jährlichen Reunion-Tourneen mit Yarbrough. Stax Records veröffentlichte 1974 eine Reunion-Aufnahme [3] und 1976 veröffentlichte die Gruppe zwei Konzertalben auf ihren eigenen Brass Dolphin Records. Diese waren so erfolgreich, dass Hassilev und Gottlieb 1981 beschlossen, die Gruppe zu reformieren und wieder in den Mainstream der Unterhaltung einzusteigen. Mit der Hinzufügung von Tenor Red Grammer und John David [3] begannen sie wieder aufzutreten.

Nach acht produktiven Jahren verließ Grammer die Gruppe, um eine Solokarriere als Kinderkünstler zu verfolgen. 1990 wurde er durch einen anderen Tenor, Rick Dougherty, ersetzt, dessen breitgefächerter musikalischer Hintergrund und seine helle Bühnenpräsenz der Gruppe eine neue Dimension verliehen.

Gottliebs Tod im Jahr 1996 führte dazu, dass sein hoher Bariton von einem ehemaligen Mitglied des Kingston Trio, Bill Zorn, übernommen wurde.

2003 verließen Zorn und Dougherty die Gruppe, um sich dem Kingston Trio anzuschließen (bis 2017), und Anfang 2004 traten der Tenor Mack Bailey und der Komiker Bariton Andy Corwin der Gruppe bei. [3] Im Jahr 2006 zog sich Hassilev zurück und verließ die Band. Kurz darauf kam 2006 Gaylan Taylor dazu. 2012 schloss sich Don Marovich den Limeliters an – 2019 trat er dem Kingston Trio bei. [ Zitat benötigt ]

Die Band tourt erst 2019. [4]

Glenn Yarbrough starb am 11. August 2016 im Alter von 86 Jahren an den Folgen einer Demenz in Nashville, Tennessee. [5]


1961 von Randy Sparks gegründet, steuerte diese Gruppe 1963 "Green, Green" von ihrem Album Ramblin' bei. Die Gruppenmitglieder wechseln regelmäßig, so ziemlich bei jeder Tour. Bis 2008 waren es rund 300 gewesen. Sie touren 2017 immer noch.

Odetta Holmes wird als "Stimme der Bürgerrechtsbewegung" bezeichnet. Martin Luther King Jr. krönte sie einst zur Königin der amerikanischen Volksmusik. Ihre Beiträge zu den 60er Jahren umfassen:

  • Dieses kleine Licht von mir
  • Mule Skinner Blues
  • Er hat die ganze Welt in seinen Händen

Inhalt

Definitionen von "zeitgenössischer Volksmusik" sind im Allgemeinen vage und variabel. [3] Hier wird darunter jede Musik verstanden, die als Folk bezeichnet wird, die keine traditionelle Volksmusik ist, eine Reihe von Genres, die mit dem Folk-Revival Mitte des 20. Jahrhunderts begannen und sich dann aus ihm entwickelten. Laut Hugh Blumenfeld für die amerikanische Folkszene: [4]

  • Im Allgemeinen ist es anglo-amerikanisch und umfasst akustische und/oder traditionsbasierte Musik aus Großbritannien und den Vereinigten Staaten.
  • Musikalisch ist es in seinen Ursprüngen hauptsächlich westeuropäisch, sprachlich ist es überwiegend englisch-basiert. Andere Musikarten und -sprachen, zu Recht oder zu Unrecht, werden tendenziell abgesondert und unter "Weltmusik" gruppiert, auch wenn sie in ihren jeweiligen Kulturen als traditionell gelten.
  • Die wenigen Ausnahmen von diesem Modell leiten sich hauptsächlich aus den vorherrschenden politisch-historischen Bedingungen in der anglo-amerikanischen Welt und der Demographie der Folk-Fans ab: keltische Musik, Blues, etwas mittel- und südamerikanische Musik, Musik der amerikanischen Ureinwohner und Klezmer. [4]

Dies ist die gängige Verwendung des Begriffs "zeitgenössische Volksmusik", aber nicht der einzige Fall der Entwicklung neuer Formen aus traditionellen.

Zeitgenössische Country-Musik entstammt letztlich einer ländlichen amerikanischen Folk-Tradition, hat sich aber anders entwickelt. Bluegrass-Musik ist eine professionelle Weiterentwicklung der amerikanischen Old-Time-Musik, vermischt mit Blues und Gypsy-Swing-Jazz.

Während der romantische Nationalismus der Volkserweckung seinen größten Einfluss auf die Kunstmusik hatte, brachte die "zweite Volkserweckung" des späten 20. Dies ist das Genre, das als "zeitgenössische Volksmusik" gilt, auch wenn traditionelle Musik als separates Genre angesehen wird. Eine der ersten Figuren dieser Wiederaufnahme war Woody Guthrie, der in den 1930er und 1940er Jahren traditionelle Lieder sang und auch eigene komponierte. Zu Guthries Freunden und Anhängern als Sammler, Interpret und Komponist gehörte Pete Seeger.

In den 1930er Jahren wurden Jimmie Rodgers, in den 1940er Jahren Burl Ives, in den frühen 1950er Jahren Seegers Gruppe die Weavers und Harry Belafonte und in den späten 1950er Jahren das Kingston Trio sowie andere professionelle, kommerzielle Gruppen populär. Einige, die die Kommerzialisierung als den Beginn dieser Phase definiert haben, betrachten den kommerziellen Hit Tom Dooley vom Kingston Trio 1958 als Beginn dieser Ära. [3] In den Jahren 1963-1964 strahlte der Fernsehsender ABC die Hootenanny Fernsehserie widmete sich dieser Volksmusikmarke und veröffentlichte auch das dazugehörige Magazin ABC-TV Hootenanny. Ab 1950 wurde die Sing aus!, Breitseite, und Die kleine Sandy-Rezension Zeitschriften trugen dazu bei, sowohl traditionelle als auch komponierte Lieder zu verbreiten, ebenso wie Folk-Revival-orientierte Plattenfirmen.

In Großbritannien förderte das Folk-Revival junge Künstler wie die Watersons, Martin Carthy und Roy Bailey und eine Generation von Singer-Songwritern wie Bert Jansch, Ralph McTell, Donovan und Roy Harper, alle sieben erlangten in den 1960er Jahren erste Bekanntheit. Bob Dylan, Paul Simon und Tom Paxton besuchten Anfang der 1960er Jahre für einige Zeit Großbritannien, wobei die ersten beiden vor allem später das traditionelle englische Material verwendeten, das sie hörten.

Im Jahr 1950 kam der bekannte amerikanische Folklorist und Sammler traditioneller Lieder Alan Lomax nach Großbritannien und traf A. L. 'Bert' Lloyd und Ewan MacColl, ein Treffen, das als Beginn der zweiten britischen Folk-Wiederbelebung gilt. In London eröffneten die Kollegen den Ballads and Blues Club, der schließlich in Singers' Club umbenannt wurde, möglicherweise der erste Folk-Club in Großbritannien, der 1991 geschlossen wurde. Als die 1950er in die 1960er Jahre übergingen, gewann die Folk-Revival-Bewegung sowohl in Großbritannien als auch in Amerika.

In weiten Teilen des ländlichen Kanadas waren traditionelle und Country-Folk-Musik bis in die 1950er Jahre die vorherrschenden Musikstile, noch vor dem weltweit populären Jazz und Swing. Traditionelles Volk brachte diese Vorherrschaft in das frühe kanadische Fernsehen mit vielen Country-Themensendungen auf seinen frühen Äther. Rund um den Kreis (1964–1975) präsentierte zum Beispiel die traditionelle irische und englische Musik Neufundlands. Aber das mit Abstand wichtigste war Don Messers Jubiläum (1957–1973), das dazu beitrug, die Kluft zwischen dem ländlichen Landvolk und dem Folk-Revival zu überbrücken, das aus städtischen Cafés und Folk-Clubs hervorging. Die Show half, die Karrieren der Country-Folk-Sänger Stompin' Tom Connors und Catherine McKinnon zu starten.

Das Folk-Revival brachte Kanadas erste Folk-Welle mit international erfolgreichen Künstlern wie Gordon Lightfoot, Leonard Cohen, Ian & Sylvia, Neil Young, Joni Mitchell und Buffy Sainte-Marie hervor. [5] Zur gleichen Zeit machten Quebecer Folk-Singer-Songwriter wie Gilles Vigneault und Gruppen wie La Bottine Souriante dasselbe in der französischsprachigen Welt. Englischsprachige kanadische Folk-Künstler tendierten dazu, die Vereinigten Staaten dazu zu bewegen, ein größeres Publikum zu erreichen, bis in den 1970er Jahren sogenannte "kanadische Inhaltsregeln" für Radio und Fernsehen eingeführt wurden. Gleichzeitig wurde die kanadische Volksmusik mit dem Aufkommen spezialisierter Folk-Festivals (beginnend mit dem Miramichi Folksong Festival 1958), dem verstärkten Radio-Airplay auf Rock-, Pop- und Easy-Listening-Radiosendern, der Einführung des Juno Auszeichnung als Volkskünstler des Jahres 1971 und sogar eine wissenschaftliche Zeitschrift the Kanadisches Volksmusik-Journal 1973. Mitte und Ende der 1960er Jahre erreichten Fusionsformen von Folk (wie Folkrock) eine nie zuvor in der Volksmusik gesehene Bedeutung, aber die frühen 1960er Jahre waren vielleicht der Höhepunkt der Nicht-Fusion-Volksmusikprominenz in der Musikszene.

Während der Depression spiegelte die Volksmusik die soziale Realität der Armut und Entmachtung des einfachen Volkes durch volkssprachliche Texte wider, die die harten Realitäten von harten Zeiten und Armut ausdrückten. Oftmals von Schriftstellern wie Guthrie im traditionellen Stil neu komponierte Lieder hatten auch einen humorvollen und satirischen Ton. Der Großteil des Publikums für Volksmusik gehörte in diesen Jahren der Arbeiterklasse an, und viele dieser Lieder drückten Widerstand gegen die soziale Ordnung und Wut auf die Regierung aus. [6]

Bedeutende Volksmusikkünstler, die in den 1940er, 1950er und frühen 1960er Jahren entstanden

Dazu gehören die folgenden:

    (1912 – 1967) war ein US-amerikanischer Singer-Songwriter und Volksmusiker, dessen musikalisches Erbe Hunderte von politischen, traditionellen und Kinderliedern, Balladen und improvisierten Werken umfasst. [7] Er trat häufig mit dem Slogan auf Diese Maschine tötet Faschisten auf seiner Gitarre angezeigt. Sein bekanntestes Lied ist "This Land Is Your Land". Viele seiner aufgenommenen Lieder sind in der Library of Congress archiviert. [8] In den 1930er Jahren reiste Guthrie mit Wanderarbeitern von Oklahoma nach Kalifornien, während er auf dem Weg traditionelle Folk- und Blues-Songs lernte, neu schrieb und aufführte. Viele der von ihm komponierten Songs handelten von seinen Erfahrungen in der Dust Bowl-Ära während der Weltwirtschaftskrise, was ihm den Spitznamen "Dust Bowl Balladeer" einbrachte. [9] Während seines ganzen Lebens war Guthrie mit kommunistischen Gruppen der Vereinigten Staaten verbunden, obwohl er der Partei nie offiziell beigetreten war. [10] Guthrie zeugte den amerikanischen Volksmusiker Arlo Guthrie. In seinen späteren Jahren diente Guthrie als Aushängeschild der Folk-Bewegung und inspirierte eine Generation neuer Folk-Musiker, darunter Mentorenbeziehungen mit Ramblin' Jack Elliott und Bob Dylan. Songwriter wie Bob Dylan, Phil Ochs, Bruce Springsteen, Pete Seeger, Joe Strummer und Tom Paxton haben Guthrie als Einfluss anerkannt. Die Almanach-Mitglieder Millard Lampell, Lee Hays, Pete Seeger und Woody Guthrie begannen 1940 informell zusammen zu spielen. Die Almanach-Sänger wurden im Dezember 1940 gegründet.[10] Sie erfanden einen treibenden, energiegeladenen Auftrittsstil, basierend auf dem, was sie für die beste amerikanische Country-String-Band-Musik hielten, schwarz und weiß. Sie entwickelten sich zu kontroverser aktueller Musik. Zwei der regulären Mitglieder der Gruppe, Pete Seeger und Lee Hays, wurden später Gründungsmitglieder von The Weavers. – Als Jugendlicher brach Ives in den frühen 1930er Jahren das College ab, um als Wandersänger herumzureisen, verdiente sich seinen Lebensunterhalt mit Gelegenheitsjobs und spielte Banjo und Gitarre. 1930 hatte er eine kurze, lokale Radiokarriere beim WBOW-Radio in Terre Haute, Indiana, und in den 1940er Jahren hatte er seine eigene Radiosendung mit dem Titel Der reisende Fremde, betitelt nach einer der populären Balladen, die er sang. Die Show war sehr beliebt und 1946 wurde Ives als singender Cowboy in dem Film gecastet Rauchig. Ives spielte auch in anderen populären Filmen mit. Sein erstes Buch, Der reisende Fremde, wurde 1948 veröffentlicht. [11] hatte viele bedeutende Volksmusiker (und Singer-Songwriter mit Folk-Wurzeln) kennengelernt und von ihnen beeinflusst, insbesondere Woody Guthrie und Lead Belly. [7] Seeger hatte Engagements in der Arbeiterbewegung und traf Guthrie am 3. März 1940 bei einem Konzert der Wanderarbeiter "Grapes of Wrath". . Als Songwriter war Seeger Autor oder Co-Autor von "Where Have All the Flowers Gone?", "If I Had a Hammer (The Hammer Song)" (komponiert mit Lee Hays von den Weavers) und "Turn, Turn, Turn !", die alle drei von vielen Künstlern innerhalb und außerhalb der Folk-Revival-Bewegung aufgenommen wurden und immer noch auf der ganzen Welt gesungen werden. 1948 schrieb Seeger die erste Version seines heutigen Klassikers Wie man das fünfsaitige Banjo spielt, ein Lehrbuch, dem viele Banjo-Spieler den Einstieg auf dem Instrument zuschreiben. Er hat mehr als siebzig Jahre lang aufgenommen, gesungen und gespielt und ist nach Guthrie zur stärksten Kraft im amerikanischen Folk-Revival geworden. [12]
    (1898-1975), war ein Komponist historischer Volksmusik. Seine Kompositionen wurden von verschiedenen Künstlern aufgenommen - Schmertz' Musik wurde von Pete Seeger gecovert, der Schmertz einen "sehr guten Songwriter" nannte, [13] Burl Ives, Tennessee Ernie Ford, [13]Bill and Gloria Gaither, The Statler Brothers , The Cathedrals, Dailey & Vincent, die River City Brass Band und Ernie Haase & Signature Sound. [14] wurden 1947 von Pete Seeger, Ronnie Gilbert, Lee Hays und Fred Hellerman gegründet. Nachdem sie 1948 im Village Vanguard in New York debütierten, wurden sie von Arrangeur Gordon Jenkins entdeckt und bei Decca Records unterschrieben, um eine Reihe erfolgreicher, aber stark orchestrierter Einzelsongs zu veröffentlichen. Die politischen Vereinigungen der Gruppe in der Ära des Roten Schreckens zwangen sie 1952, sich aufzulösen, sie formierten sich 1955 mit einer Reihe erfolgreicher Konzerte und Albumaufnahmen auf Vanguard Records neu. Ein fünftes Mitglied, Erik Darling, saß manchmal in der Gruppe, wenn Seeger nicht verfügbar war, und ersetzte schließlich Seeger in den Weavers, als letzterer aus dem Quartett austrat, in einem Streit um dessen Kommerzialisierung im Allgemeinen und seine spezifische Vereinbarung, einen Zigarettenwerbespot aufzunehmen. [16] , [7] Popsänger, Aktivist. 1952 unterschrieb er einen Vertrag bei RCA Victor. Sein bahnbrechendes Album Calypso (1956) war die erste LP, die über eine Million Mal verkauft wurde. Das Album verbrachte 31 Wochen auf Platz eins der US-Charts. Es führte das amerikanische Publikum in die Popmusik von Calypso ein und Belafonte wurde als "König von Calypso" bezeichnet. Belafonte nahm in vielen Genres auf, darunter Pop Calypso, American Folk, Gospel und mehr.
    – 1959 spielte Belafonte in Heute Abend mit Belafonte ein landesweit im Fernsehen ausgestrahltes Special, das Odetta in ihrem Debüt einem Publikum zur besten Sendezeit vorstellte. Sie sang Wasserjunge und spielte ein Duett mit Belafonte von Da ist ein Loch in meinem Eimer die 1961 in die nationalen Charts einstieg. [17] 1953 nahmen die Sänger Odetta und Larry Mohr eine LP auf, die 1954 als Odetta und Larry, ein Album, das teilweise live in der Tin Angel Bar in San Francisco aufgenommen wurde. Odetta genoss bis zu ihrem Tod im Jahr 2009 eine lange und respektierte Karriere mit einem Repertoire an traditionellen Liedern und Blues. [17] wurde 1957 in Palo Alto, Kalifornien, von Bob Shane, Nick Reynolds und Dave Guard gegründet, die gerade draußen waren des Kollegiums. Sie wurden stark von den Weavers, den Calypso-Sounds von Belafonte und anderen Semi-Pop-Folk-Künstlern wie den Gateway Singers[7] und den Tarriers beeinflusst. Die beispiellose Popularität und die Albumverkäufe dieser Gruppe von 1957 bis 1963 (einschließlich vierzehn Top-Ten- und fünf Nummer-Eins-LPs auf der Plakat Charts [18] ) war ein bedeutender Faktor bei der Schaffung eines kommerziellen und Mainstream-Publikums für Volksmusik, wo es vor ihrer Entstehung nur wenige gab. [19] Dem Erfolg des Kingston Trios folgten andere sehr erfolgreiche Pop-Folk-Acts wie die Limeliters.
    sind eine US-amerikanische Volksmusikgruppe, die im Juli 1959 von Lou Gottlieb (Bass), Alex Hassilev (Bariton) und Glenn Yarbrough (Tenor) gegründet wurde. [20] Die Gruppe war von 1959 bis 1965 aktiv, als sie sich auflöste. Nach einer sechzehnjährigen Pause kamen Yarbrough, Hassilev und Gottlieb wieder zusammen und traten wieder als Limeliters auf. Ihre Karriere begann 1958 in Cambridge, Massachusetts, wo sie mit 17 ihr erstes Kaffeehauskonzert gab. Sie wurde 1959 von Pop-Folk-Star Bob Gibson eingeladen, beim ersten Newport Folk Festival aufzutreten, [20] danach wurde Baez manchmal "die barefoot Madonna" genannt, die für ihre klare Stimme und ihren Drei-Oktaven-Bereich bekannt wurde. Im folgenden Jahr nahm sie ihr erstes Album für Vanguard Records auf – eine Sammlung von Klageliedern und traditionellen Folk-Balladen von den britischen Inseln, die die Lieder mit Gitarre begleiten. Ihre zweite LP-Veröffentlichung wurde mit Gold ausgezeichnet, ebenso wie ihre nächsten (Live-)Alben. Eine Platte enthielt ihre Interpretation eines Songs des damals unbekannten Bob Dylan. In den frühen 1960er Jahren rückte Baez an die Spitze des amerikanischen Volksmusik-Revivals. Ihre persönlichen Überzeugungen – Frieden, soziale Gerechtigkeit, Armutsbekämpfung – spiegelten sich zunehmend in den aktuellen Liedern wider, die einen wachsenden Teil ihres Repertoires ausmachten, bis Baez zu einem Symbol für diese besonderen Anliegen wurde. begann 1959 und entstand Anfang der 1960er Jahre. Die Gruppe spielte eine Mischung aus kreativ arrangierten traditionellen Liedern und zeitgenössischen Nummern, die häufig satirische und politische Untertöne enthielten. waren eine "Collegiate Folk" -Gruppe aus den frühen 1960er Jahren, die an der Wesleyan University entstand und eine Plakat Nummer-eins-Hit 1961 mit „Michael“, einer Version des afroamerikanischen SpiritualsMichael, Ruder das Boot an Land, und 1962 mit "Cottonfields" ein weiterer Top-20-Hit. "Michael" verkaufte sich über eine Million Mal und wurde mit einer Goldenen Schallplatte ausgezeichnet. [21][22] sind eine Volksmusikgruppe, die 1961 von Randy Sparks gegründet wurde. [23] Sie nahmen über 20 Alben auf und hatten mehrere Hits, darunter "Green, Green", "Saturday Night", "Today", "Denver" , und "Dieses Land ist dein Land". Ihr Debütalbum von 1962, Präsentation der neuen Christy Minstrels gewann einen Grammy Award und saß im Plakat Charts für zwei Jahre. [24] waren ein amerikanisches progressives Folk-Gesangstrio in den frühen 1960er Jahren, das vor allem für den Hit "Walk Right In" bekannt wurde.
  • Die Serendipity Singers waren eine neunköpfige Gruppe, die an der University of Colorado begann und 1964 landesweit für ihren stark poppigen Zugang zur Volksmusik bekannt wurde. trat oft mit Joan Baez auf und tourte manchmal, als sie Sängerin von hauptsächlich traditionellen Liedern war. Als Baez einige von Dylans Liedern in ihr Repertoire aufnahm und Dylan sogar ihrem begeisterten Publikum vorstellte, einer großen Anhängerschaft in der Folk-Szene, verhalf dies dem jungen Songwriter zu einer ersten Anerkennung. Als Dylan seine erste LP (1962) aufnahm, hatte er einen Stil entwickelt, der an Woody Guthrie erinnerte. [25] Er begann, Lieder zu schreiben, die die "progressive" Stimmung auf dem College-Campus und in den Kaffeehäusern einfingen. Obwohl es 1964 viele neue Gitarre spielende Singer/Songwriter gab, ist es fraglich, dass Dylan schließlich der beliebteste dieser jüngeren Folk-Music-Revival-Performer wurde. debütierte in den frühen 1960er Jahren und war ein amerikanisches Trio, das schließlich zu einem der größten Musical-Acts der 1960er Jahre wurde. Das Trio bestand aus Peter Yarrow, Paul Stookey und Mary Travers. Sie waren in den 1960er Jahren einer der wichtigsten volksmusikalischen Fackelträger der sozialkommentierenden Musik. [20] Im Laufe des Jahrzehnts enthielt ihre Musik mehr Elemente von Pop und Rock. debütierte Anfang der 1960er Jahre. Zunächst sang sie traditionelle Volkslieder oder Lieder, die von anderen geschrieben wurden – insbesondere von den Protestsongwritern der damaligen Zeit wie Tom Paxton, Phil Ochs und Bob Dylan. Sie nahm auch eigene Versionen wichtiger Songs aus dieser Zeit auf, wie Dylans „Mr. Tambourine Man“, Pete Seegers „Turn, Turn, Turn“ und Eric Andersens „Thirsty Boots“. , eine australische Folk- und Popmusikgruppe, wurden 1962 gegründet. Sie zogen 1963 nach Großbritannien und vermischten traditionelle Musik, zeitgenössische Volksmusik und Pop. The Seekers erfreuten sich im englischsprachigen Raum mit Hits wie "I Know I'll Never Find Another You", "A World Of Our Own" und "Georgy Girl" großer Beliebtheit.
  • Das kanadische Duo Ian Tyson und Sylvia Fricker, das als Ian & Sylvia aufgetreten ist, veröffentlichte 1963 sein erstes Album. Das Duo enthielt eine kreative Mischung aus traditionellen amerikanischen und kanadischen Folksongs in englischer und französischer Sprache sowie zeitgenössischen Singer-Songwriter-Kompositionen von Dylan und Paxton, und selbst komponierte Nummern wie "Four Strong Winds" und "Someday Soon" von Tyson und "You Were On My Mind" von Fricker. , Neil Young begann seine Karriere in den 1960er Jahren. Zusammen mit Dewey Martin gründeten sie Buffalo Springfield. Eine Mischung aus Folk, Country, Psychedelia und Rock, die durch die beiden Leadgitarren von Stills und Young eine harte Kante verlieh, machte Buffalo Springfield zu einem kritischen Erfolg und ihrer ersten Platte Büffel Springfield (1966) verkaufte sich gut, nachdem Stills' aktuelles Lied "For What It's Worth" ein Hit wurde, unterstützt von Youngs melodischen Obertönen, die auf der E-Gitarre gespielt wurden.

Mitte der 1960er bis Anfang der 1970er Jahre Bearbeiten

Die großen musikalischen, politischen, Lebensstil- und Gegenkulturveränderungen, die am meisten mit den "60er Jahren" in Verbindung gebracht werden, fanden in der zweiten Hälfte des Jahrzehnts und im ersten oder zweiten Jahr der 1970er Jahre statt. Gleichzeitig erfuhr die Volksmusik eine damit verbundene rasante Entwicklung, Expansion und Diversifizierung. Große Veränderungen traten durch die Entwicklung etablierter Künstler wie Bob Dylan, Joan Baez, Judy Collins, The Seekers und Peter Paul and Mary sowie durch die Schaffung neuer Fusionsgenres mit Rock und Pop auf. Ein Großteil dieser Entwicklung begann in den frühen 1960er Jahren und wurde Mitte und Ende der 1960er Jahre bekannt. Ein "Schmelztiegel" für diese Entwicklung war Greenwich Village New York. Dylans Einsatz elektrischer Instrumente trug dazu bei, die Genres Folkrock und Countryrock zu eröffnen, insbesondere durch sein Album John Wesley Harding. [26] [27]

Diese Veränderungen stellten eine weitere Abkehr von der traditionellen Volksmusik dar. Die Byrds mit Hits wie Seegers "Turn! Turn! Turn!" waren Sinnbild für einen neuen Begriff des Folkrock. Barry McGuire verließ die New Christy Minstrels und nahm 1965 "Eve of Destruction" auf in Diskussionen über Folkrock. [26] [29]

In dieser Zeit wurde der Begriff „Protestmusik“ häufig verwendet, um Volksmusik mit aktuellen politischen Themen zu charakterisieren. Die Konvergenz von Bürgerrechtsbewegung und Volksmusik auf dem College-Campus führte zur Popularität von Künstlern wie Bob Dylan und seiner Art von Protestmusik. [30] Als Folk-Sänger und Songwriter wie Phil Ochs, Buffy Sainte-Marie, Arlo Guthrie und Tom Paxton in die Fußstapfen von Woody Guthrie traten, schrieben sie "Protestmusik" und aktuelle Lieder und drückten ihre Unterstützung für verschiedene Zwecke aus, darunter die amerikanische Bürgerrechtsbewegung und Antikriegsursachen im Zusammenhang mit dem Vietnamkrieg. [31] Songs wie Dylans "Blowin' in the Wind" wurden zur Hymne der Bürgerrechtsbewegung, und er sang Balladen über viele andere aktuelle Themen der Zeit, wie "Hard Rain's Gonna Fall" über die Kubakrise. Dylan soll gesagt haben: "Es gibt noch andere Dinge auf dieser Welt außer Liebe und Sex, die auch wichtig sind." [30] Eine Reihe von Künstlern, die ihre Karriere begonnen hatten, hauptsächlich traditionelles Material zu singen, wie es von Joan Baez und Judy Collins verkörpert wurde, begannen, ihr eigenes Material zu schreiben.

Die kanadischen Künstler Gordon Lightfoot, Leonard Cohen, Bruce Cockburn und Joni Mitchell repräsentierten solche Fusionen und erfreuten sich in den USA großer Beliebtheit, alle vier wurden schließlich mit dem Order of Canada ausgezeichnet. Viele der Acid-Rock-Bands von San Francisco begannen damit, akustischen Folk und Blues zu spielen. Die Fernsehshows der Smothers Brothers zeigten viele Folk-Darsteller, darunter den ehemals auf der schwarzen Liste stehenden Pete Seeger. [32]

Bonnie Koloc ist eine US-amerikanische Folk-Songwriterin mit Sitz in Chicago, die 1971 ihr Aufnahmedebüt gab. 1968 veröffentlichte Melanie ihr erstes Album mit mehreren populären Songs mit einer Folk/Pop-Mischung.

Mitte bis Ende der sechziger Jahre entwickelte sich der britische Folkrock mit einem Schwerpunkt auf einheimischen (europäischen und symbolisch englischen) Liedern. Ein wichtiger Moment des britischen Folkrock war die Veröffentlichung des Albums von Fairport Convention Lüttich und Lief. Gitarrist Richard Thompson erklärte, dass die Musik der Band einen entsprechenden "English Electric" -Stil erforderte, während Bassist Ashley Hutchings Steeleye Span gründete, um ein traditionelleres Repertoire im Folk-Rock-Stil zu verfolgen. Nach seinem eigenen Ausscheiden aus der Gruppe veröffentlichten Thompson und seine Frau Linda als Duo sechs Alben, die Folkrock und Artrock vereinten. Die Arbeit von Fairport Convention, Pentaangle, Alan Stivell und Mr. Fox umfasste die Elektrifizierung traditioneller Musikformen.

Ab den 1970er Jahren wurde die Volksmusik von neuen Singer-Songwritern wie Steve Goodman, John Prine, Emmylou Harris, Joni Mitchell, John Denver, Harry Chapin und vielen mehr angetrieben. Auf den britischen Inseln brachten die Pogues in den frühen 1980er Jahren und Irlands The Corrs in den 1990er Jahren traditionelle Melodien zurück in die Albumcharts. Die Corrs waren von 1990 bis 2006 aktiv und spielten keltische und Popmusik und schufen eine Mischung aus beiden. Carrie Newcomer entstand 1984 mit Stone Soup und tritt seit 1991 einzeln auf. Brandi Carlile und Patty Griffin sind um 2019 bekannte Volkskünstler.

In den 1980er Jahren spielten die Washington Squares "Throwback"-Volksmusik. Suzanne Vega spielte Folk- und Protestvolksmusik. [33] Die Knitters verkündeten Cowpunk oder Folk-Punk, der sich schließlich zum alternativen Country entwickelte. In jüngerer Zeit wurde derselbe Geist von Künstlern wie Miranda Stone und Steve Earle angenommen und erweitert.

In der zweiten Hälfte der 1990er Jahre prägte die Volksmusik durch eine jüngere Generation von Künstlern wie Eliza Carthy, Kate Rusby und Spiers und Boden erneut den Mainstream. Kanadas meistverkaufte Folk-Gruppe der 1990er und 2000er Jahre war die keltische, rockige Great Big Sea aus Neufundland, deren vier Alben in Kanada mit Platin ausgezeichnet wurden.

Folk-Metal-Bands wie Korpiklaani, Skyclad, Waylander, Ensiferum, Ithilien und Finntroll verschmelzen Elemente aus den unterschiedlichsten Traditionen, darunter in vielen Fällen Instrumente wie Geigen, Tin Whistles, Akkordeons und Dudelsäcke. Folk Metal bevorzugt oft heidnisch inspirierte Themen.

Viking Metal ist in seiner Folk-Haltung definiert und integriert Folk-Einlagen in Alben (z. B. Bergtatt und Kveldssanger, die ersten beiden Alben der einst Folk Metal, jetzt experimentellen Band Ulver). Mumford & Sons, eine Folk-Rock- und Indie-Folk-Band, wurde 2007 gegründet und erlangte 2010 Bekanntheit. Shenandoah Run wurde 2011 gegründet, um zeitgenössische amerikanische Folkmusik der 1960er Jahre einem modernen Hörer näher zu bringen. [34]

Spezial-Subgenres Bearbeiten

Filkmusik kann stilistisch und kulturell als Volksmusik betrachtet werden (obwohl die "Community", aus der sie hervorgegangen ist, das Science-Fiction-Fandom, eine ungewöhnliche und durch und durch moderne ist). [35] Neofolk begann in den 1980er Jahren und verschmolz traditionelle europäische Volksmusik mit postindustrieller Musik, historischen Themen, philosophischen Kommentaren, traditionellen Liedern und Heidentum. Das Genre ist weitgehend europäisch, beeinflusst aber auch andere Regionen. Heidnische Volksmusik ist in Deutschland, Großbritannien, skandinavischen Ländern und slawischen Ländern mit Sängern wie David Smith (Aka Damh the Bard) und Bands wie Danheim, Faun, Omnia, Wardruna und Arkona bekannt. Die meisten Bands verbinden das Folk-Genre mit anderen Musikrichtungen wie Metal oder Electronica. [36]

Anti-Folk begann in den 1980er Jahren in New York City. Folk Punk, in seinen Anfängen als Rogue Folk bekannt, ist eine Mischung aus Volksmusik und Punkrock. Es wurde in den 1980er Jahren von der in London ansässigen irischen Band The Pogues entwickelt. Industrielle Volksmusik ist eine Charakterisierung von Volksmusik, die normalerweise unter anderen Genres bezeichnet wird, und umfasst Musik von oder über industrielle Umgebungen und Themen, einschließlich verwandter Protestmusik.

Elektronische Volksmusik Bearbeiten

Musik, die Elemente von Volksmusik und elektronischer Musik mischt, oder "folktronica", [37] (oder "ethnische Electronica"), die den Einsatz akustischer Instrumente mit unterschiedlichen Einflüssen und Klangwahlen kennzeichnet. [37] [38] [ Verifizierung erforderlich ] Der Ashgate Research Companion to Popular Musicology beschreibt Folktronica als "einen Sammelbegriff für alle Arten von Künstlern, die mechanische Tanzbeats mit Elementen des akustischen Rocks oder Folk kombiniert haben." [39]

Das Album von 1993 Jeder Mann und jede Frau ist ein Star von Ultramarine gilt als Urvater der neuen Musik, die einen pastoralen Klang aufwies und traditionelle Instrumente wie Geige und Mundharmonika mit Techno- und House-Elementen vereinte. [40] Nach Die Sunday Times Culture's Encyclopedia of Modern Music, wesentliche Alben des Genres sind Four Tet's Pause (2001), Tunngs Mutters Tochter und andere Lieder (2005) und Caribou's Die Milch der menschlichen Güte (2005). [41]

Weitere "Worldbeat"-beeinflusste elektronische Folk-Acts sind Bryn Jones mit seinem Projekt Muslimgauze (vor seinem Tod 1999), die Künstler der asiatischen Untergrundbewegung (Cheb i Sabbah, Asian Dub Foundation, Joi, State of Bengal, Transglobal Underground, Natacha Atlas) , Shpongle, Home Sweet Somewhere, Mavka (ukrainische Gruppe), Ott, Zavoloka, Linda George, Banco de Gaia, AeTopus, Zingaia, Afro-Celt Sound System, Métisse, A Tribe Called Red, Frühwerk von Yat-Kha (mit Ivan Sokolowski [42] ).

Landvolk Bearbeiten

Landvolk als Genre-Label ist ein eher nebulöses Label, das aber spätestens seit Mitte der 1970er Jahre häufig eingesetzt wird.Für engagierte Enthusiasten umfasst die Kategorie vor allem die Werke kontemplativer Post-Dylan-Singer-Songwriter, die von seinen Country-Rock-Sounds und anderen Künstlern der späten 1960er- und 1970er-Jahre beeinflusst waren, die aber bei einer etwas späteren Aufnahme einen sanfteren, mehr akustisch dominanter Sound, der die Konzentration auf den Text erlaubt. Das wesentliche Element, das "Country Folk" von der "Folk"-Musik auf den Aufnahmen von Dylans Zeitgenossen in den 1960er Jahren unterscheidet, war die Wiederaufnahme von Country- und Bluegrass-Musikinstrumenten – Mandoline, Banjo, Geige, Resophonic- und Electric Steel-Gitarren – in die Der Erfolg von Country-Rock mit urbanem Publikum hatte den Weg für diesen Hybrid geebnet. Für Aficionados ist es ungenau, Country-Folk als Subgenre des Country zu sehen, da er sich im Wesentlichen nicht an ein Country-Musik-Publikum richtet.

Einige der maßgeblichen Country-Folk-Künstler der frühen Jahre sind John Prine, Kate Wolf und Nanci Griffith – alles Singer-Songwriter mit durchdachten Texten, deren Arrangements von den oben genannten Instrumenten unterstützt werden. In den 1980er Jahren spezialisierten sich Plattenlabels wie Rounder und Sugar Hill auf die Aufnahme von Country-Folk-Künstlern

Die Kategorie überschneidet sich mit den Post-Country-Rock-Trajektorien anderer Künstler, die sich Ende der 1970er Jahre vom Mainstream-Markt entfernten, als das eigene Vermögen des Country-Rock schwand. Emmylou Harris zog ins neo-traditionalistische Country, Chris Hillman in progressives Bluegrass, Bruder-Harmonie-Duo (mit Herb Pedersen) und Bakersfield Revival. Anfang der 1990er Jahre inspirierten diese und andere Klänge zu musikalischen Amalgamen, die als alternative Country-Musik und Americana kategorisiert wurden, aber "Country Folk" wird weiterhin für die sanfteren Klänge von Sängern wie Iris DeMent und Gillian Welch verwendet.

Selbst in den 1970er Jahren, als sich die akustischen, von der frühen Country-Musik beeinflussten Klänge des Country-Folks von anderen Stilen der Singer-Songwriter-Musik nach den 1960er-Jahren unterschieden, gab es unterschiedliche Überschneidungen mit den Klängen der progressiven Country-Musik (wie z Kris Kristofferson, Townes Van Zandt, Guy Clark), Outlaw Country (Billy Joe Shaver, Waylon Jennings, Willie Nelson, Johnny Cash), Progressive Bluegrass (Tony Rice Alben Cold on the Shoulder und Native American) und andere Country-Rock-inspirierte Aufnahmen ( Tom Rushs Tom Rush und Merrimack County und der Katalog von Gordon Lightfoot und Jimmy Buffett aus den 1970er Jahren). Keines davon wurde jedoch speziell als "Landvolk" vermarktet oder rezipiert. Dennoch wurden spätere zurückhaltende, akustisch dominante Country-beeinflusste Aufnahmen von diesen und vielen anderen früheren Künstlern von einigen Quellen manchmal lose, aber nicht ungenau, als Country-Folk definiert.

In jüngerer Zeit findet die Mehrheit der Künstler, deren Musik als Country-Folk klassifiziert werden könnte, ihr Zuhause im Americana-Genre, darunter Brandi Carlile, Jason Isbell, Parker Millsap, Patty Griffin und Amanda Shires, wobei mehrere Künstler austauschbar als Folk und Americana bezeichnet werden Künstler, allen voran Sarah Jarosz, die in beiden Genre-Kategorien Grammy Awards erhalten hat.

In Europa wird der Begriff "Folk" nur für ein spezielles modernes Genre verwendet (das traditionelle Folk wird Folklore oder Nationalmusik genannt).

Die tschechische Volksmusik ist beeinflusst von tschechischer traditioneller Musik und Liedermachern, "Tramping"-Musik, sowie von englischsprachiger Country- und zeitgenössischer Volksmusik, Spirituals und Traditionals, Bluegrass, Chanson usw. In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts all die ähnlichen Genres koexistierten als Protest-Multigenre, im Gegensatz zur offiziellen Popmusik, zur Rockmusik usw. Seit 1967 wurde das Festival "Porta" zum Zentrum dieses Genres, das ursprünglich als Festival des Country & Amp Western & Amp Trapping definiert wurde Musik. Akustikgitarren waren für sie alle das typischste Instrument.


Inhalt

Frühe Jahre Bearbeiten

Das Folk-Revival in New York City wurzelte in dem wiederauflebenden Interesse an Square Dance und Folk Dance in den 1940er Jahren, das von Lehrern wie Margot Mayo unterstützt wurde und Musikern wie Pete Seeger populäre Bekanntheit verschaffte. [2] [3] [4] Das Folk-Revival als populäres und kommerzielles Phänomen beginnt mit der Karriere von The Weavers, die im November 1948 von Pete Seeger, Lee Hays, Fred Hellerman und Ronnie Gilbert von People's Songs gegründet wurden die Seeger Präsident und Hays Exekutivsekretär gewesen war. People's Songs, die 1948/49 aufgelöst wurden, war eine Clearingstelle für Lieder der Arbeiterbewegung (und insbesondere der CIO, der zu dieser Zeit eine der wenigen, wenn nicht die einzige Gewerkschaft war, die rassisch integriert war), und 1948 hatte all seine Ressourcen in den gescheiterten Präsidentschaftswahlkampf des Kandidaten der Progressiven Partei Henry Wallace gesteckt, einem Volksmusikliebhaber (sein Vizekandidat war ein Country-Musiksänger und Gitarrist). Hays und Seeger hatten früher gemeinsam als politisch aktivistische Almanac Singers gesungen, eine Gruppe, die sie 1941 gründeten und zu deren Personal oft Woody Guthrie, Josh White, Lead Belly, Cisco Houston und Bess Lomax Hawes gehörten. Die Weavers hatten 1950 mit der Single von Lead Bellys "Goodnight, Irene" einen großen Hit. Dies war dreizehn Wochen lang die Nummer eins der Billboard-Charts. [5] Auf der anderen Seite stand "Tzena, Tzena, Tzena", ein israelischer Tanzsong, der gleichzeitig Platz zwei der Charts erreichte. Es folgten eine Reihe von Weaver-Hit-Singles, die sich millionenfach verkauften, darunter "So Long It's Been Good to Know You" ("Dusty Old Dust") (von Woody Guthrie) und "Kisses Sweeter Than Wine". Die Karriere der Weavers endete abrupt, als sie aus dem Decca-Katalog gestrichen wurden, weil Pete Seeger in der Veröffentlichung Red Channels als wahrscheinlicher Subversiver aufgeführt worden war. Radiosender weigerten sich, ihre Platten zu spielen, und Konzerthallen sagten ihre Engagements ab. Ein ehemaliger Mitarbeiter von People's Songs, Harvey Matusow, selbst ein ehemaliges Mitglied der Kommunistischen Partei, hatte dem FBI mitgeteilt, dass die Weavers ebenfalls Kommunisten seien, obwohl Matusow später widerrief und zugab, gelogen zu haben. Pete Seeger und Lee Hays wurden 1955 vor dem Un-American Activities Committee des Repräsentantenhauses ausgesagt , ein von Harold Leventhal im Jahr 1955 organisiertes Christmas Weaver Reunion-Konzert war ein voller Erfolg und das 1957 herausgegebene Vanguard-LP-Album dieses Konzerts war einer der Top-Seller des Jahres, gefolgt von anderen s erfolgreiche Alben.

Volksmusik, die während des Red Scare der 1950er Jahre oft das Stigma linker Assoziationen trug, wurde in den Untergrund getrieben und von einer Handvoll Künstlern getragen, die Platten veröffentlichten. Künstler wie Seeger waren von Mainstream-Verkaufsstellen ausgeschlossen und auf Auftritte in Schulen und Sommercamps beschränkt, und die Volksmusikszene wurde zu einem Phänomen, das an Orten wie New York (insbesondere Greenwich Village), North Beach und im College mit einer vage rebellischen Bohème in Verbindung gebracht wurde und Universitätsviertel von Städten wie Chicago, Boston, Denver und anderswo.

Ron Eyerman und Scott Baretta spekulieren, dass:

[I]es ist interessant zu bedenken, dass die Volksmusik ohne die expliziten politischen Sympathien der Weavers und anderer Volkssänger oder anders ausgedrückt den hysterischen Antikommunismus des Kalten Krieges sehr wahrscheinlich hätte Anfang der 1950er Jahre traten noch stärker in die amerikanische Mainstream-Kultur ein, was die zweite Welle der Wiederbelebung fast ein Jahrzehnt später [dh in den 1960er Jahren] vielleicht überflüssig machte. [6]

Die Mediensperre von Künstlern mit angeblichen kommunistischen Sympathien oder Verbindungen war so effektiv, dass Israel Young, ein Chronist des Folk Revivals der 60er Jahre und durch sein Interesse am Volkstanz in die Bewegung hineingezogen wurde, Ron Eyerman mitteilte, dass er selbst für viele nichts davon wusste Jahre der 30er und frühen 40er Jahre der Bewegung Vorläufer des linken politischen Aktivismus. [7]

In den frühen und Mitte der 1950er Jahre wurden akustisch-gitarrebegleitete Volkslieder hauptsächlich in Kaffeehäusern, privaten Partys, Open-Air-Konzerten und Mitsingen, Hootenannies und auf College-Campus-Konzerten gehört. Oft mit politischem Dissens in Verbindung gebracht, vermischte sich Volksmusik jetzt bis zu einem gewissen Grad mit der sogenannten Beatnik-Szene und engagierte Sänger von Volksliedern (sowie von folkloristisch beeinflusstem Originalmaterial) reisten durch den sogenannten "Kaffeehauskreis". in den USA und Kanada, Heimat von coolem Jazz und Rezitationen sehr persönlicher Beatnik-Poesie. Zwei Sänger der 1950er Jahre, die Folk-Material sangen, aber in den Mainstream übergingen, waren Odetta und Harry Belafonte, die beide Lead Belly- und Josh White-Material sangen. Odetta, die als Opernsängerin ausgebildet war, spielte traditionellen Blues, Spirituals und Lieder von Lead Belly. Belafonte hatte Hits mit jamaikanischem Calypso-Material sowie die volksliedhafte sentimentale Ballade "Scarlet Ribbons" (komponiert 1949).

Die Erweckung auf ihrem Höhepunkt Bearbeiten

Das Kingston Trio, eine Gruppe mit Ursprung an der Westküste, wurde in Stil und Präsentation direkt von den Weavers inspiriert und deckte einen Teil des überwiegend traditionellen Materials der Weavers ab. Das Kingston Trio vermied offen politische oder Protestlieder und kultivierte eine klare, kollegiale Persönlichkeit. Sie wurden entdeckt, als sie in einem College-Club namens Cracked Pot von Frank Werber spielten, der ihr Manager wurde und ihnen einen Vertrag mit Capitol Records sicherte. Ihr erster Hit war eine eingängige Interpretation einer Folk-Mord-Ballade aus alter Zeit, "Tom Dooley", die bei Lead Bellys Trauerkonzert gesungen worden war. Dieser wurde 1958 mit Gold ausgezeichnet und mehr als drei Millionen Mal verkauft. Der Erfolg des Albums und der Single brachte dem Kingston Trio bei der Eröffnungszeremonie im Jahr 1959 einen Grammy-Preis für die beste Country- und Western-Performance ein. Zu dieser Zeit existierte keine Volksmusikkategorie im Grammy-Schema. Im nächsten Jahr, hauptsächlich aufgrund von Das Kingston-Trio Album und "Tom Dooley", [8] führte die National Academy of Recording Arts and Sciences eine Folk-Kategorie ein und das Trio gewann den ersten Grammy Award für die beste ethnische oder traditionelle Folk-Aufnahme für sein zweites Studioalbum Im Großen und Ganzen. Zu einem bestimmten Zeitpunkt hatte das Kingston Trio im November und Dezember 1959 im November und Dezember 1959 fünf aufeinander folgende Wochen lang vier Alben gleichzeitig unter den Top 10 der verkauften Alben Plakat "Top LPs" -Chart des Magazins, ein Rekord, der seit mehr als 50 Jahren unerreicht ist [9] [10] [11] [12] [13] [14] und damals durch eine Titelgeschichte in Leben Zeitschrift. Der große kommerzielle Erfolg des Kingston Trios, dessen Aufnahmen zwischen 1958 und 1961 mehr als 25 Millionen US-Dollar für Capitol Records [15] einbrachten, oder etwa 220 Millionen US-Dollar im Jahr 2021, [16] brachte eine Vielzahl von Gruppen hervor, die in mancher Hinsicht ähnlich waren wie die Brothers Four, Peter, Paul and Mary, The Limeliters, The Chad Mitchell Trio, The New Christy Minstrels und mehr. Wie der Kritiker Bruce Eder in der Alle Musik-Guide, die Popularität der kommerzialisierten Version der Volksmusik, die von diesen Gruppen vertreten wird, ermutigte Plattenfirmen, Künstler mit eher traditionalistischen und politischen Sensibilitäten zu unterzeichnen, aufzunehmen und zu fördern. [17]

Der Popularität des Kingston Trios folgte die von Joan Baez, deren Debütalbum Joan baez, erreichte Ende 1960 die Top Ten und blieb über zwei Jahre in den Billboard-Charts. Baez' frühe Alben enthielten hauptsächlich traditionelles Material wie die schottische Ballade "Mary Hamilton" sowie viele Coverversionen melancholischer Balladen, die in Harry Smiths Anthologie der amerikanischen Volksmusik, wie "The Wagoner's Lad" und "The Butcher Boy". Sie versuchte jedoch nicht, den Gesangsstil ihres Ausgangsmaterials zu imitieren, sondern verwendete einen satten Sopran mit Vibrato. Ihre Popularität (und die des Folk-Revivals selbst) würde Baez auf das Cover von Zeit Magazin im November 1962. Baez war im Gegensatz zum Kingston Trio offen politisch, und als die Bürgerrechtsbewegung an Fahrt gewann, verbündete sie sich mit Pete Seeger, Guthrie und anderen. Sie war eine der Sängerinnen, zusammen mit Seeger, Josh White, Peter, Paul und Mary und Bob Dylan, die 1963 beim Marsch von Martin Luther King in Washington auftraten und "We Shall Overcome" sang, ein Lied, das von People's Songs eingeführt worden war . Bei dieser Gelegenheit war auch Harry Belafonte anwesend, zusammen mit Odetta, die Martin Luther King als "Königin der Volksmusik" vorstellte, als sie "Oh, Freedom" sang (Odetta singt Volkslieder war eines der meistverkauften Folk-Alben des Jahres 1963). Mit dabei waren auch die SNCC Freedom Singers, deren Personal später Sweet Honey in the Rock gründete.

Die entscheidende Rolle, die Freedom Songs bei den Wählerregistrierungsaktionen, Freiheitsfahrten und Sitzstreiks während der Bürgerrechtsbewegung der späten 1950er und frühen 60er Jahre im Süden spielten, verlieh der Volksmusik eine enorme neue Sichtbarkeit und ein neues Prestige. [18] Die Friedensbewegung wurde ebenfalls durch den Aufstieg der Kampagne für nukleare Abrüstung in Großbritannien, die gegen die britischen Tests der H-Bombe im Jahr 1958 protestierte, sowie durch das sich immer weiter ausbreitende Wettrüsten und den zunehmend unbeliebten Vietnamkrieg beflügelt . Der junge Singer-Songwriter Bob Dylan, der Akustikgitarre und Mundharmonika spielte, wurde 1961 von Produzent John Hammond für Columbia unter Vertrag genommen und aufgenommen Publikum, als die Pop-Folk-Musikgruppe Peter, Paul & Mary mit einem Cover seines Songs "Blowin' in the Wind" einen Hit landete. Peter, Paul & Mary brachten auch "If I Had a Hammer" von Pete Seeger und den Weavers einem landesweiten Publikum vor und coverten Songs anderer Künstler wie Dylan und John Denver.

Es dauerte nicht lange, bis die Kategorie Volksmusik weniger traditionelles Material und mehr persönliche und poetische Kreationen einzelner Interpreten umfasste, die sich selbst "Singer-Songwriter" nannten. Als Ergebnis des finanziellen Erfolgs hochkarätiger kommerzieller Folk-Künstler begannen Plattenfirmen, Platten einer neuen Generation von Folk-Revival- und Singer-Songwritern zu produzieren und zu vertreiben – Phil Ochs, Tom Paxton, Eric von Schmidt, Buffy Sainte-Marie, Dave Van Ronk, Judy Collins, Tom Rush, Fred Neil, Gordon Lightfoot, Billy Ed Wheeler, John Denver, Arlo Guthrie, Harry Chapin, John Hartford und andere, darunter. Einige dieser Welle waren aus den Gesangs- und Spieltraditionen der Familie entstanden, andere nicht. Diese Sänger waren häufig stolz darauf, traditionelles Material in Imitationen des Stils der von ihnen entdeckten Quellsänger aufzuführen, häufig durch Hören von Harry Smiths gefeierter LP-Zusammenstellung vergessener oder obskurer kommerzieller 78-U/min-"Race"- und "Hillbilly"-Aufnahmen aus den 1920er Jahren und 30s, die Folkways Anthology of American Folk Music (1951). Einige der Künstler, die diese alten Aufnahmen gemacht hatten, waren noch sehr lebendig und wurden "wiederentdeckt" und zu den 1963 und 64 Newport Folk Festivals gebracht. Einer von ihnen, Clarence Ashley zum Beispiel, führte Folk-Revivalisten in die Musik seiner Freunde ein, die noch aktiv traditionelle Musik spielten, wie Doc Watson und The Stanley Brothers.

Archivare, Sammler und neu aufgelegte Aufnahmen Bearbeiten

In den 1950er Jahren begann die wachsende Volksmusik-Menge, die sich in den Vereinigten Staaten entwickelt hatte, Platten von älteren, traditionellen Musikern aus dem südöstlichen Hügelland und aus städtischen Innenstädten zu kaufen. Neue LP-Kompilationen kommerzieller 78-U/min-Rennen und Hillbilly-Studioaufnahmen, die bis in die 1920er und 1930er Jahre zurückreichen, wurden von großen Plattenlabels veröffentlicht. Der expandierende Markt für Schallplatten erhöhte die Verfügbarkeit von Folk-Music Field Recordings, die ursprünglich von John und Alan Lomax, Kenneth S. Goldstein und anderen Sammlern während der New Deal-Ära der 1930er und 40er Jahre gemacht wurden. Kleine Plattenlabels wie Yazoo Records wuchsen auf, um neu aufgelegte ältere Aufnahmen zu vertreiben und unter diesen Künstlern neue Aufnahmen der Überlebenden zu machen. So hörten viele urbane weiße amerikanische Zuhörer der 1950er und 60er Jahre zum ersten Mal Country-Blues und insbesondere Delta-Blues, die 30 oder 40 Jahre zuvor von Folk-Künstlern aus Mississippi aufgenommen worden waren.

Im Jahr 1952 veröffentlichte Folkways Records die Anthologie der amerikanischen Volksmusik, zusammengestellt vom Anthropologen und Experimentalfilmer Harry Smith. Die Anthologie enthielt 84 Songs traditioneller Country- und Blues-Künstler, die ursprünglich zwischen 1927 und 1932 aufgenommen wurden und denen zugeschrieben wurde, dass sie jüngeren Musikern eine große Menge an Material aus der Vorkriegszeit zugänglich gemacht haben. (Die Anthologie wurde 1997 auf CD wiederveröffentlicht, und Smith wurde für seine Leistung 1991 verspätet mit einem Grammy Award ausgezeichnet.) [19]

Künstler wie die Carter Family, Robert Johnson, Blind Lemon Jefferson, Clarence Ashley, Buell Kazee, Uncle Dave Macon, Mississippi John Hurt und die Stanley Brothers sowie Jimmie Rodgers, Reverend Gary Davis und Bill Monroe kamen, um etwas zu haben mehr als ein regionaler oder ethnischer Ruf. Das Revival brachte eine enorme Fülle und Vielfalt an Musik hervor und verbreitete sie in Radiosendungen und Plattenläden.

Auch lebende Vertreter einiger der vielfältigen regionalen und ethnischen Traditionen, darunter jüngere Interpreten wie der traditionelle Südstaatensänger Jean Ritchie, der in den 1940er Jahren mit den Aufnahmen begonnen hatte, erfreuten sich durch die zunehmende Entdeckung dieser Musik durch Enthusiasten einer Wiederbelebung der Popularität und traten regelmäßig bei Volksfeste.

Ethnische Volksmusik Bearbeiten

Auch ethnische Volksmusik aus anderen Ländern erlebte während des amerikanischen Folk-Revivals einen Boom. Die erfolgreichsten ethnischen Darsteller des Revivals waren die Folksänger aus Greenwich Village, The Clancy Brothers und Tommy Makem, die Plakat Magazine auf Platz elf der meistverkauften Volksmusiker in den Vereinigten Staaten. Die Gruppe, die aus Paddy Clancy, Tom Clancy, Liam Clancy und Tommy Makem bestand, sang überwiegend englischsprachige, irische Volkslieder sowie gelegentlich ein Lied in Irisch-Gälisch. Paddy Clancy gründete und leitete auch das Folk-Musik-Label Tradition Records, das Odettas erste Solo-LP produzierte und Carolyn Hester zunächst zu nationaler Bekanntheit verhalf. [21] Pete Seeger spielte das Banjo auf ihrem Grammy-nominierten Album von 1961. Eine spontane Leistungsaufnahme, [22] [23] und Bob Dylan zitierte später die Gruppe als einen großen Einfluss auf ihn. [24] Die Clancy Brothers und Tommy Makem lösten Mitte der 1960er Jahre auch in Irland einen Volksmusik-Boom aus und veranschaulichten die weltweiten Auswirkungen des amerikanischen Volksmusik-Revivals. [25] [26] [27] [28] [29]

Bücher wie der beliebte Bestseller, die Kaminbuch der Volkslieder (1947), das zur Wiederbelebung des Volksliedes beitrug, enthielt einiges Material in anderen Sprachen als Englisch, darunter Deutsch, Spanisch, Italienisch, Französisch, Jiddisch und Russisch.Das Repertoire von Theodore Bikel, Marais und Miranda und Martha Schlamme umfasste auch hebräisches und jüdisches Material sowie Afrikaans. Der erste große Hit der Weavers, die Kehrseite von Lead Bellys "Good Night Irene", und ein eigener Topseller, war auf Hebräisch ("Tzena, Tzena, Tzena") und sie, und später Joan Baez, die von Spanischer Abstammung, gelegentlich auch spanischsprachiges Material in ihrem Repertoire, sowie Lieder aus Afrika, Indien und anderswo.

Das kommerziell orientierte Volksmusik-Revival, wie es in Kaffeehäusern, Konzertsälen, Radio und Fernsehen existierte, war überwiegend ein englischsprachiges Phänomen, obwohl viele der großen Pop-Folk-Gruppen wie das Kingston Trio, Peter, Paul und Mary , The Chad Mitchell Trio, The Limeliters, The Brothers Four, The Highwaymen und andere enthielten in ihren Aufnahmen und Aufführungen Lieder in Spanisch (oft aus Mexiko), polynesischen Sprachen, Russisch, Französisch und anderen Sprachen. Diese Gruppen sangen auch viele englischsprachige Lieder ausländischer Herkunft.

Rock subsumiert Folk Bearbeiten

Die britische Invasion Mitte der 1960er Jahre trug dazu bei, der Mainstream-Popularität der amerikanischen Volksmusik ein Ende zu setzen, als eine Welle britischer Bands den größten Teil der amerikanischen Musikszene, einschließlich Folk, überwältigte. Ironischerweise lagen die Wurzeln der British Invasion im amerikanischen Folk, insbesondere in einer Variante, die als Skiffle bekannt war, wie sie von Lonnie Donegan populär gemacht wurde und hatte wenig Ähnlichkeit mit seinen volkstümlichen Ursprüngen.

Nachdem Bob Dylan 1965 begann, mit rockiger Rhythmusgruppe und elektrischen Instrumenten aufzunehmen (siehe Elektro-Dylan-Kontroverse) folgten viele andere noch junge Volkskünstler. Inzwischen erhielten Bands wie The Lovin' Spoonful und The Byrds, deren einzelne Mitglieder oft einen Hintergrund in der Folk-Revival-Kaffeehausszene hatten, Plattenverträge mit folkloristischer Musik, die in einer Rockband-Besetzung gespielt wurde. Schon bald schwand der öffentliche Appetit auf die akustischere Musik des Folk-Revivals.

"Crossover"-Hits ("Folk-Songs", die zu Grundnahrungsmitteln der Rockmusik-Szene wurden) gab es hin und wieder. Ein bekanntes Beispiel ist das Lied "Hey Joe", das vom Folk-Künstler Billy Roberts urheberrechtlich geschützt ist und vom Rocksänger / Gitarristen Jimi Hendrix aufgenommen wurde, als er 1967 zum Star wurde. Die Hymne "Woodstock", die geschrieben wurde und zuerst von Joni Mitchell gesungen, als ihre Platten noch fast ausschließlich akustisch waren und sie als "Folk-Sängerin" bezeichnet wurde, wurde eine Hit-Single für Crosby, Stills, Nash & Young, als die Gruppe eine vollständige Rockversion aufnahm.

Legacy-Bearbeitung

In den späten 1960er Jahren hatte sich die Szene wieder zu einem eher leisen Liebhaber-Phänomen entwickelt, obwohl während dieser Zeit in vielen Teilen Nordamerikas beträchtliche jährliche akustische Musikfestivals etabliert wurden. Die Kaffeehausszene mit akustischer Musik überlebte in reduziertem Umfang. Durch die herausragenden jungen Singer-Songwriter der 1960er Jahre hat das amerikanische Folk-Music-Revival das Songwriting und die Musikstile auf der ganzen Welt beeinflusst.


Bob Shane, der letzte des ursprünglichen Kingston-Trios, stirbt im Alter von 85

Die Gruppe führte in den späten 1950er und frühen 60er Jahren ein kommerziell erfolgreiches Folk-Revival an, bei dem Mr. Shane die meiste Zeit die Hauptrolle sang.

Bob Shane, das letzte überlebende Originalmitglied des Kingston Trios, dessen sanfte, enge Harmonien dazu beigetragen haben, die Volksmusik von einem verstaubten Nischengenre in eine dominante Art der Popmusik in den 1950er und 60er Jahren zu verwandeln, starb am Sonntag in Phoenix. Er war 85.

Craig Hankenson, sein langjähriger Agent, bestätigte den Tod in einem Hospiz.

Mr. Shane, dessen Whisky-Bariton bei Hits wie „Tom Dooley“ und „Scotch and Soda“ die bekannteste Stimme der Gruppe war, sang bei mehr als 80 Prozent der Songs des Kingston Trios die Hauptrolle.

Er überdauerte nicht nur die anderen ursprünglichen Mitglieder, Dave Guard, der 1991 starb, und Nick Reynolds, der 2008 starb, er übernahm schließlich auch den Namen der Gruppe und widmete sein Leben verschiedenen Inkarnationen des Trios seit seiner Gründung 1957 bis 2004, als ihn ein Herzinfarkt zwang, die Tournee einzustellen.

Auf dem Weg dorthin führte das Trio eine Neuerfindung des Folk als jugendliches Massenmedienphänomen auf seinem Höhepunkt an, 1959 platzierte die Gruppe vier Alben gleichzeitig in den Top 10. Das Kingston Trio tourte ins 21. Jahrhundert und blieb für seine Fans eine nostalgische Präsenz und zog viele zu seinem jährlichen Trio Fantasy Camp in Scottsdale, Arizona.

Herr Shane wurde am 1. Februar 1934 als Robert Castle Schoen in Hilo, Hawaii, als Sohn von Arthur Castle Schoen und Margaret (Schaufelberger) Schoen geboren. Sein Vater, dessen deutsche Vorfahren sich in den 1890er Jahren auf Hawaii niedergelassen hatten, war ein erfolgreicher Großhändler für Spielwaren und Sportartikel. Seine Mutter aus Salt Lake City lernte ihren zukünftigen Ehemann kennen, als beide in den 1920er Jahren an der Stanford University studierten.

In Hilo hatte Mr. Shanes Vater geplant, dass Bob das Familienunternehmen übernimmt. Aber an der privaten Punahou School in Honolulu lernte Bob die Ukulele und Lieder der polynesischen Inseln und lernte Mr. Guard kennen, mit dem er ein Duett bildete.

Nach der High School spielten Mr. Shane, Mr. Reynolds und Mr. Guard gelegentlich zusammen, während sie das College in Nordkalifornien besuchten – Mr. Shane und Mr. Reynolds am Menlo College und Mr. Guard in der Nähe von Stanford.

Nach seinem Abschluss im Jahr 1956 kehrte Herr Shane nach Hawaii zurück, um das Familienunternehmen kennenzulernen, aber er fühlte sich mehr zur Musik hingezogen. Wie er erzählte, trat er als „der allererste Elvis-Imitator“ auf und zählte hawaiianische Musik, Hank Williams, Harry Belafonte und die Weavers zu seinen Einflüssen.

Ein Jahr später, als Mr. Guard und Mr. Reynolds beschlossen, eine professionelle Musikkarriere einzuschlagen, schloss sich Mr. Shane ihnen an und kehrte 1957 nach Kalifornien zurück, wo das Kingston Trio geboren wurde. Der Name bezieht sich auf Kingston , Jamaika, sollte die damals populäre Calypso-Musik heraufbeschwören. Die Mitglieder strahlten einen jugendlichen, klaren College-Stil aus, der durch ihren charakteristischen Look veranschaulicht wurde: bunte, vertikal gestreifte Oxford-Hemden.

Ein Jahr später enthielt das erste Album des Trios auf Capitol Records eine schwungvolle Version einer Ballade, die auf dem Mord an einer Frau aus North Carolina im Jahr 1866 und der Erhängung eines armen ehemaligen Konföderierten Soldaten für das Verbrechen basiert. Der Song „Tom Dooley“ stieg auf Platz 1 der Single-Charts, verkaufte sich drei Millionen Mal und brachte dem Trio einen Grammy Award für die beste Country- und Western-Performance ein. (Damals gab es keine Grammy-Kategorie für Folk.)

Von ihrer Gründung bis 1965 hatte die Gruppe 14 Alben in den Top 10 von Billboard, von denen fünf auf Platz 1 landeten. Sie inspirierte unzählige Nachahmer und war zeitweise wahrscheinlich die beliebteste Musikgruppe der Welt. 1961 ersetzte John Stewart Mr. Guard. (Mr. Stewart starb 2008.)

Die kritische Aufnahme des Kingston Trios entsprach nicht seinem populären Erfolg. Für viele Folk-Puristen verkaufte das Trio eine verwässerte Mischung aus Folk und Pop, die die authentische Volksmusik unzähliger unbekannter Appalachen-Picker kommerzialisierte. Und in Anbetracht der Art und Weise, wie Volksmusiker wie Pete Seeger während der McCarthy-Ära auf die schwarze Liste gesetzt worden waren, beschwerten sich andere darüber, dass die optimistische, anodyne Art von Folk des Trios die linke, populistische Musik von Pionieren wie Woody Guthrie und Cisco Houston verriet.

Mitglieder des Trios sagten, sie hätten sich bewusst von politischem Material ferngehalten, um die Akzeptanz im Mainstream aufrechtzuerhalten. Außerdem, sagte Mr. Shane, benutzten die Volkspuristen den falschen Maßstab.

„Das Kingston Trio Folk-Sänger zu nennen, war von vornherein irgendwie dumm“, sagte er. "Wir haben uns nie Volkssänger genannt." Er fügte hinzu: „Wir haben volkstümliches Material gemacht, aber wir haben es unter allen möglichen anderen Sachen gemacht.“

Tatsächlich hatten einige der schönsten Momente von Mr. Shane, wie die rauchige Cocktail-Hour-Ballade „Scotch and Soda“, nichts mit Folk zu tun. 1961 schrieb Ervin Drake „It Was a Very Good Year“ für Mr. Shane. Er sang es mit dem Trio, lange bevor Frank Sinatra es zu einem seiner Klassiker machte.

Dennoch fing das Kingston Trio mehr als jede andere Gruppe seiner Zeit den jugendlichen Optimismus der Kennedy-Jahre ein. Der Titelsong eines 1962er Albums war „The New Frontier“, das den eigenen Satz von Präsident John F. Kennedy widerspiegelt und auf seine Antrittsrede mit dem Text „Let the word go her from this day on/A new generation has born“ anspielt.

Ungefähr zur gleichen Zeit hatte das Trio einen unwahrscheinlichen Hit mit der Art von Material, das es vermieden hatte: Mr. Seegers Antikriegslied "Where Have All the Flowers Gone?"

Aber zu diesem Zeitpunkt stand das Trio kurz davor, als Gesicht des Folk von einer neuen Generation härterer Sänger wie Bob Dylan, Phil Ochs und Joan Baez sowie von hipperen wie Peter, Paul und Mary abgelöst zu werden. Dann grenzten die bevorstehende britische Invasion und der Aufstieg des Rock die Gruppe völlig an den Rand.

Im Laufe der Zeit haben andere, darunter Mr. Dylan und Ms. Baez, der Gruppe mehr Anerkennung für die Popularisierung der Volksmusik und dafür, dass sie als Brücke zum abenteuerlustigeren Folk, Folk-Rock und Rock der 1960er Jahre gedient hat, zugeschrieben.

Wie Frau Baez in ihren Memoiren „And a Voice to Sing With“ (1987) schrieb: „Bevor ich zu einem Snob wurde und lernte, alle kommerzielle Volksmusik als bastardisiert und unheilig zu betrachten, liebte ich das Kingston Trio. Als ich einer der führenden Praktizierenden des ‚reinen Volkes‘ wurde, liebte ich sie immer noch.“

Die Bewunderer von Mr. Shane sagten, dass seine Talente nie vollständig erkannt wurden.

„Bob Shane war meiner Meinung nach einer der am meisten unterschätzten Sänger in der amerikanischen Musikgeschichte“, sagte George Grove, seit 1976 Trio-Mitglied, in einer E-Mail im Jahr 2015. „Seine Stimme war die Stimme, nicht nur des Kingston Trios sondern von einer Ära des musikalischen Geschichtenerzählens.“

Die Gruppe löste sich 1967 auf, aber nach einer kurzen Zeit als Solokünstler kehrte Mr. Shane zurück, zuerst mit dem, was als New Kingston Trio in Rechnung gestellt wurde, dann mit verschiedenen Kingston Trio-Besetzungen.

Mr. Shane stach selbst nach den gesunden Standards der Gruppe heraus und wurde halb im Ernst als das Sexsymbol des Trios in Rechnung gestellt. Im Laufe der Jahre verwandelte sich sein Haar von einem ordentlichen Burschen zu einer schneebedeckten Mähne, aber er blieb von Geburt an optimistisch, wie ein Spieler, der es gewohnt ist, gewinnende Hände zu zeichnen.

Nach seiner Pensionierung lebte Herr Shane in Phoenix in einem Haus voller goldener Schallplatten und Kingston Trio Erinnerungsstücken. Er liebte Autos und Dirtbikes und sammelte auch Martin-Gitarren und Kunst.

Er hinterlässt seine Frau Bobbi (Kindermädchen) Shane, fünf Kinder aus einer früheren Ehe mit Louise Brandon: Jody Shane Beale, Susan Shane Gleeson, Inman Brandon Shane, Robin Castle Shane und Jason McCall Shane und acht Enkelkinder.

„Das, worauf ich neben meinen Kindern am stolzesten bin, ist, dass ich vor über 10.000.000 Leuten live gespielt habe“, sagte er auf der Website der Gruppe.

Auch nach seiner Pensionierung fand er immer noch Wege, um aufzutreten.

„Gelegentlich ruft mich jemand an und bittet mich, auf die Bühne zu gehen, und ich packe ein paar Sauerstoffflaschen und gehe“, sagte er 2011 in einem Interview. „Ich sage den Leuten immer, dass ich beabsichtige, für immer zu leben. So weit, ist es gut."


Dave Van Ronk

Dave Van Ronk war eine der wichtigsten Persönlichkeiten der Folkmusikszene von Greenwich Village der 1960er Jahre. Er war Aktivist und Songwriter, Handelsmarine und ehemaliges Mitglied eines Barbershop-Quartetts. Aber es war seine Beteiligung an der Szene, die ihn buchstäblich auf die Landkarte brachte, es gibt eine Straße im West Village von New York, die nach ihm benannt ist.


Inhalt

1866 wurde Laura Foster ermordet. Der konföderierte Veteran Tom Dula, Fosters Geliebter und Vater ihres ungeborenen Kindes, wurde wegen ihres Mordes verurteilt und am 1. Mai 1868 gehängt. Foster war mit einem großen Messer erstochen worden, und die Brutalität des Angriffs war teilweise für die weit verbreitete Öffentlichkeit verantwortlich des Mordes und der anschließenden Verhandlung erhalten.

Anne Foster Melton, Lauras Cousine, war Dulas Geliebte seit seinem zwölften Lebensjahr und bis zu seiner Abreise in den Bürgerkrieg – selbst nachdem Anne einen älteren Mann namens James Melton geheiratet hatte. Als Dula zurückkehrte, wurde er wieder ein Liebhaber von Anne, dann Laura, dann ihrer Cousine Pauline Foster. Paulines Kommentare führten zur Entdeckung von Lauras Leiche und Anschuldigungen gegen Tom und Anne. Anne wurde anschließend in einem separaten Prozess freigesprochen, basierend auf Dulas Aussage, dass sie nichts mit dem Mord zu tun hatte. [7] Dulas rätselhafte Aussage über den Galgen, dass er Foster nicht geschadet hatte, aber dennoch seine Strafe verdient hatte, führte zu Spekulationen in der Presse, dass Melton der eigentliche Mörder war und dass Dula sie einfach gedeckt hatte. (Melton, der einst seine Eifersucht auf Dulas angebliche Pläne, Foster zu heiraten, geäußert hatte, starb je nach Version entweder bei einem Karrenunfall oder durch den Wahnsinn ein paar Jahre nach dem Mord. [ Zitat benötigt ] )

Dank der Bemühungen von Zeitungen wie Die New York Times und auf die Tatsache, dass der ehemalige Gouverneur von North Carolina, Zebulon Vance, Dula . vertrat pro bono, Dulas Mordprozess und das Hängen erhielten eine breite nationale Öffentlichkeit. Ein lokaler Dichter, Thomas C. Land, schrieb ein populäres Lied über Dulas Tragödie, kurz nachdem Dula gehängt wurde, mit dem Titel "Tom Dooley". In Kombination mit der breiten Öffentlichkeit, die der Prozess erhielt, festigte Lands Lied Dulas Platz in der Legende von North Carolina [2] [3] und wird noch heute in ganz North Carolina gesungen. [ Zitat benötigt ]

Ein Mann namens "Grayson", der in dem Lied als entscheidend für Dulas Untergang erwähnt wird, wurde manchmal als romantischer Rivale von Dula oder als rachsüchtiger Sheriff bezeichnet, der ihn gefangen genommen und über seine Hinrichtung geleitet hat. Einige Textvarianten des Liedes stellen Grayson in diesem Licht dar, und die gesprochene Einführung in die Kingston Trio-Version [6] tat dasselbe. Col. James Grayson war eigentlich ein Politiker aus Tennessee, der Dula auf seiner Farm angeheuert hatte, als der junge Mann unter Verdacht aus North Carolina floh und einen falschen Namen benutzte. Grayson half den North Carolinaern, Dula zu fangen und war an der Rückkehr nach North Carolina beteiligt, spielte aber ansonsten keine Rolle in dem Fall. [ Zitat benötigt ]

Dula wurde in Statesville vor Gericht gestellt, weil man glaubte, er könne in Wilkes County keinen fairen Prozess bekommen. Im Berufungsverfahren wurde ihm ein neuer Prozess gegeben, aber er wurde erneut verurteilt und am 1. Mai 1868 gehängt. Am Galgen soll Dula gesagt haben: „Meine Herren, sehen Sie diese Hand? Ich habe dem Mädchen kein Haar verletzt. " [ Zitat benötigt ]

Dulas Nachname wurde "Dooley" ausgesprochen, was im Laufe der Jahre zu einigen Verwirrung in der Schreibweise führte. Die Aussprache eines abschließenden "a" wie "y" [ Klärung nötig ] ist ein altes Merkmal in der Appalachensprache, wie der Begriff "Grand Ole Opry". [ Zitat benötigt ] Die Verwirrung wurde durch die Tatsache verschärft, dass Dr. Tom Dooley, ein amerikanischer Arzt, der für internationale humanitäre Arbeit bekannt ist, 1958 auf dem Höhepunkt seines Ruhms war, als die Kingston Trio-Version ein großer Hit wurde. [ Zitat benötigt ]

Viele Versionen des Liedes wurden aufgenommen, vor allem:

  • 1929 machten G. B. Grayson und Henry Whitter für Victor die erste aufgenommene Version von Lands Song von einer damals bekannten Gruppe. [8][9][10][11] , Elektra, 1952. Warner, ein Folklorist, der die Aufnahme von 1929 nicht kannte, nahm 1940 das Lied von Frank Proffitt und reichte es an Alan Lomax, der es in veröffentlichte Volkslied: USA. [12]
  • Am 30. März 1953 wurde die CBS-Radioserie Spannung ein halbstündiges "Tom Dooley"-Drama, das lose auf dem Lied basiert, das während der Sendung von Schauspieler Harry Dean Stanton gesungen wurde. Obwohl sie nicht als kommerzielle Aufnahme herausgegeben wurden, wurden Transkriptions-Discs der Sendung schließlich digitalisiert und von alten Radiosammlern in Umlauf gebracht. [13] [bessere Quelle benötigt]
  • Das Folksay Trio mit Erik Darling, Bob Carey und Roger Sprung veröffentlichte die erste Version des Songs nach 1950 für Amerikanische Folksay-Balladen und Tänze, Bd. 2 auf dem Stinson-Label im Jahr 1953. Ihre Version war bemerkenswert, weil sie eine Pause in der Zeile "Hang down your head Tom. Dooley" einfügte. Die Gruppe reformierte sich 1956 als The Tarriers mit Darling, Carey und Alan Arkin und veröffentlichte eine weitere Version von "Tom Dooley" für Die Tarrier auf dem Glory-Label 1957. [14]
    nahm 1958 die beliebteste Version des Songs für Capitol auf. Diese Aufnahme wurde mit über sechs Millionen verkauften Exemplaren an der Spitze der USA verkauft. Plakat Hot 100-Charts und wird oft mit dem Beginn des "Volksmusik-Booms" der späten 1950er und 1960er Jahre betraut. [6] Es hatte nur drei Strophen (und den Refrain viermal). Diese Aufnahme des Songs wurde in das National Recording Registry der Library of Congress aufgenommen [15] und mit einem Grammy Hall of Fame Award ausgezeichnet. [16] Die Grammy Foundation kürte es zu einem der Songs des Jahrhunderts. [8] und Crazy Horse haben eine achtminütige Version auf ihrem 2012er Album aufgenommen Americana, auf dem sie das Lied auf die richtige Schreibweise "Tom Dula" umbenannten und es so aussprachen, dass es ein politisches Statement gegen den ehemaligen republikanischen Mehrheitsführer Tom DeLay war. [Zitat benötigt]

Andere Künstler, die Versionen des Songs aufgenommen haben, sind Paul Clayton, Line Renaud, Bing Crosby, Jack Narz, Steve Earle und The Grateful Dead.

Parodien Bearbeiten

"Tom Dooley" löste eine Reihe von Parodien aus, entweder als Teil anderer Songs oder als ganze Songs. Zum Beispiel:

    benutzte dieses Lied und Worried Man Blues, um sich in ihrem Song über das Kingston Trio lustig zu machen Mehr Geld für dich und mich. lässt eine veränderte Zeile aus dem Lied in eine Aufnahme von "Rudolph the Red-Nosed Reindeer" fallen
  • Die Incredible Bongo Band nahm das Lied "Hang Down Your Head Tom Dooley, Your Tie's Caught In Your Zipper" (1972) auf. haben eine Version auf ihrem Album "The Songs and Comedy of the Smothers Brothers! Recorded at the Purple Onion, San Francisco" gemacht, in der sie auf die Klage gegen das Kingston Trio verwiesen, indem sie behaupteten, Dickie Smothers habe es geschrieben und das Kingston Trio habe es gestohlen . benutzte dieses Lied, um sich auf ihrem 2003er Album über Tom Daschle lustig zu machen Zwischen Irak und einem harten Ort[17]

For Capitol Records 45 U/min Release #F4049 vom Kingston Trio [18]

Schaubild (1958) Gipfel
Position
Australische Single-Charts 1
Kanadische Single-Charts 1
Norwegische Single-Charts 1
Italienische Single-Charts 1
Südafrika-Charts 8
Britische Single-Charts 5
uns Plakat Heiß 100 [19] 1
UNS. Plakat Heiße R&B-Seiten [20] 9

Allzeit-Charts Bearbeiten

Die dritte und letzte Strophe von Stonewall Jacksons Crossover-Hit-Song Waterloo von 1958 bezog sich auf Tom Dooley mit dem Text "Jetzt schwingt er, wo der kleine Vogel singt, und dort traf Tom Dooley sein Waterloo."

Der Kingston Trio-Hit inspirierte den Film, Die Legende von Tom Dooley (1959), mit Michael Landon, in der Hauptrolle Richard Rust. Ein Western-Set nach dem Bürgerkrieg, in dem es nicht um traditionelle Tom Dula-Legenden oder die Fakten des Falls ging, sondern um eine fiktive Behandlung, die auf den Text des Liedes zugeschnitten ist.

"Tom Dooley" ist der Name einer Episode der fünften Staffel von Verbündeter McBeal, in dem John Cage mit seiner mexikanischen Band eine Version des Liedes singt.

Das Lied wurde in Episode Nr. 702 von . parodiert Mystery Science Theater 3000. Crow T. Robot, motiviert durch die Ähnlichkeit eines Schauspielers mit Thomas Dewey, sang eine Version, die mit "Hang down your head, Tom Dewey."

Glada Barns Version von Lands Lied schließt Beheben Staffel 2 Folge "Mazel Tov". [22]

Im Film von 1980 Freitag der 13, beginnen die Camper in der Eröffnungsszene das Lied zu singen. Die Eröffnungsszene spielt 1958, dem Jahr, in dem die Kingston Trio-Version des Songs debütierte.


Schau das Video: The Seine 2021 Remastered Version


Bemerkungen:

  1. Cadabyr

    Was ist Windows95-Multitasking? - Es ist fehlerhaft und funktioniert gleichzeitig. Die gute Krankheit ist Sklerose: Nichts tut weh, und jeder Tag ist neu. Danke im Bett. Menschen träumen aus gutem Grund von erogenen Orten! Wenn Sie ein Mädchen zum Tanzen eingeladen haben und sie zugestimmt hat ... Seien Sie nicht glücklich: Am Anfang müssen Sie noch tanzen. Je mehr ein Komsomol-Mitglied trinkt, desto weniger trinkt der Tyrann! Die Menschen sind kein Luxus, sondern eine Bereicherung. Regierung. Aus den Regeln der guten Form: „.. Wenn sie einen Blowjob geben, klicken sie nicht mit den Zähnen..“ Kann ein Mitglied als INPUT / OUTPUT-Gerät bezeichnet werden?

  2. Faurg

    Vielen Dank für die Informationen. Kann ich Ihnen helfen, mit etwas zu synonym?

  3. Yameen

    Tolles Beispiel für lohnendes Material

  4. Maynor

    Natürlich. Das war und mit mir.

  5. Kazisida

    Ich entschuldige mich, aber meiner Meinung nach ist dieses Thema nicht so aktuell.



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